Pintar a Óleo

Os trabalhos de Eva Afonso

2012-02-13T08:01:00.000-08:00

Reprodução do quadro "Peónias"
de Henri Fantin-Latour

Executada por Eva Afonso
2012

Observando um Quadro ... de Georg Flegel - nº 21

2012-02-07T15:50:00.000-08:00

Nestes dias em que uma vaga de frio varre a Europa, deixando-nos a tiritar, só me apetece uns docinhos que me forneçam algumas calorias e uma bebida bem quentinha que me "aqueça" a alma.
Mas é preciso cuidar da silhueta, pois se abuso do açúcar ... ops! ... lá vêm mais alguns quilitos.
Descobri, no entanto, uma fórmula mágica para consumir açúcar sem engordar!
Não acreditam?
Ora vejam:

Georg Flegel
"Natureza-Morta com Pão, Doces, Copo e Borboleta"
c. 1637
Óleo sobre madeira - 21,9x17,1 cm
Frankfurt, am Main, Städel Museum

Nesta pequena obra recheada de doçarias, Georg Flegel (1563-1638) representou, como ninguém, a estrutura cristalina do açúcar cristalizado.

A introdução do açúcar na alimentação europeia provocou uma revolução radical do paladar.
Se antes era o mel que adoçava a vida das populações, a partir do séc. XVI, segundo Duarte Nunes Leão, com " ... a invenção das ilhas da Madeira, do Cabo Verde, de Sam Tomé e do Brasil, de que vem cada ano tanta carregação de açúcares, não curamos de gastar mel ...".
Mas, se na fase inicial da expansão portuguesa e da produção de açúcar, este apenas se consumia com fins medicinais, a partir do século XVI passa a ser usado na doçaria.
Os banquetes das classes abastadas encheram-se de numerosos pratos e terminavam sempre com sobremesas.

Nesta obra de Georg Flegel aparecem essencialmente doces, que são alimentos dispendiosos elaborados por mestres confeiteiros.
Nela podemos observar frutos secos (figos) e especiarias cobertos com açúcar, que segundo a tradição tinham propriedades medicinais e facilitavam a digestão.

Em cima de uma mesa estão representados: uma tigela chinesa, um copo veneziano, uma tarte, em forma de coração e um pão branco.
A disposição dos alimentos, neste quadro, parece aleatória, no entanto, contém algumas alusões religiosas. Encontramos frutos cristalizados em forma de letras: um "O" maiúsculo e um "A" meio desfeito, representando o Alfa e o Ómega ( a primeira e a última letra do alfabeto grego), como referência a Cristo - o princípio e o fim. Um torrão rectilíneo de açúcar está colocado sobre um pão branco, formando uma cruz, o que nos eleva a Deus. Aparecem ainda o pão e o vinho evocando a Eucaristia.
Flegel não se esqueceu de incluir neste quadro uma borboleta e outros insectos, advertindo-nos para a efemeridade da vida.

Após observar este quadro fiquei saciada, os doces confortaram-me, sem correr o risco de prejudicar a saúde!

Referências:
Bauer, Herman, Andreas Prater - Barroco, Taschen, 2007
Castro, Armando de - Desenvolvimento das actividades produtivas - in História de Portugal, Vol. II, direcção de José Hermano Saraiva, Pub. Alfa, 1983
Schneider, Norbert - Naturezas-Mortas, (A Pintura de Naturezas Mortas nos Primórdios da Idade Moderna), Taschen, 2009

Desafios ... Resposta: Georges Braque

2012-01-29T15:01:00.000-08:00

O autor do quadro "Casas em L´Estaque" - 1908, é Georges Braque.
Braque (1882-1963) viveu algum tempo em L´Estaque, cidade costeira do Sul de França e ... foi neste local que pintou as suas primeiras paisagens pré-cubistas.
Matisse, em 1908, como membro do júri do "Salon d`Automne" afirmou que Georges Braque apresentava pinturas "com pequenos cubos...".
E o escritor Guillaume Apollinaire, em 1912, escreveu: " A nova pintura é denominada Cubismo. Foi assim nomeada com mordacidade por Henri Matisse, quando reparou nas formas cúbicas claramente perceptíveis numa pintura com edifícios".
Pois foi precisamente com este quadro que Braque retratou uma paisagem com edifícios, onde vemos telhados e fachadas de casas. Mas, nesta aldeia, não há só casas, está também presente a natureza através das planícies verdes, parecendo que a estamos a ver a partir de uma colina.
As casas pintadas, nesta tela, não têm janelas nem qualquer outro elemento, estão confinadas às formas mais simples e aqui e ali sobressaem os verdes e os castanhos da natureza.

Desafios ...

2012-01-27T09:15:00.000-08:00

Cá estou, mais uma vez, a lançar um desafio.
Não, não é difícil.
Pintor e quadro muito conhecidos do movimento cubista.
Aceita o repto?
Qual o pintor da obra aqui "postada".
Aguardo a sua colaboração.
Até breve!

Observando um Quadro ... de Juan Gris - nº 20

2012-01-20T03:32:00.000-08:00

Juan Gris
"O Pequeno-almoço"
1915
Óleo e carvão sobre tela - 92x73 cm
Musée National d´Art Moderne, Centre Pompidou
Paris

"Na composição deste trabalho, Gris faz referência à já bem comprovada utilização estética do papier collé. (...) Gris abordou um tema que combinava objectos do dia-a-dia: uns pedaços de jornal dobrados, uma taça, um copo, uma cafeteira e finalmente uma garrafa.
Todos os objectos que estão representados foram pintados aplicando técnicas várias ou tipos diferentes de pintura.
A taça e o copo estão desenhados. A cafeteira, que é sugerida ao centro no fundo do quadro, está dividida em três segmentos: uma secção central pintada em cinzento, a continuação dos contornos na faixa de cor verde, e finalmente o restante do contorno do bico está pintado na superfície de cor azul. A garrafa, por outro lado, está desenhada em campos de cor verde; parece estar a crescer das tiras dobradas do jornal reproduzido esculturalmente.
As superfícies coloridas da pintura estão colocadas lado a lado, como se se tratasse de vários suportes. Para além da sua composição de cor, estas representam um material que imita contraplacado de madeira de cor ocre e papel de jornal verde. A superfície composta com cores ocre e cinzento, na parte inferior da pintura, faz lembrar as paisagens de Georges Braque de L´Estaque, no sul de França (...)."

Trier, Anne Ganteführer -, "Cubismo", Taschen, Bona, 2009, p.90

Juan Gris

2012-01-19T14:46:00.000-08:00

Usufruam este video com obras de um dos pintores mais influentes do Cubismo - Juan Gris, também ele espanhol, como Picasso!

"Um pintor que não desconcerta - o que é que anda a fazer?"
Georges Braque

Os trabalhos de Eva Afonso

2012-01-14T01:04:00.000-08:00

Reprodução do quadro "Esporas-Bravas" de
Henri Fantin-Latour
1892

Executada por Eva Afonso
2011

Os trabalhos de Eva Afonso

2012-01-08T02:55:00.000-08:00

Reprodução de um pormenor do quadro
"Retrato de Mme. H. L. (Madeleine Lerolle) (1882)
Henri Fantin-Latour

Executada por Eva Afonso
2011

Dia de Reis

2012-01-06T00:59:00.001-08:00

Hoje é Dia de Reis e manda a tradição que se comam alguns bagos de romã.

Maluda
"Romã"
1984

Os múltiplos bagos vermelhos, brilhantes, quase vítreos, vislumbrados entre rasgos de casca que estalou, são um apelo aos nossos sentidos.

Este fruto, símbolo de fertilidade, abundância e prosperidade surge em muitas naturezas-mortas.

Joris Van Son (1623-1667)
Pormenor do quadro "Nature-morte d´apparat à la colonne"
c. 1662
Colecção do Barão Samuel von Brukenthal

Jean-Baptiste Camille Corot (1796-1875)
"Natureza-Morta"
c. 1871-1872

Gustave Courbet (1819-1877)
"Natureza-morta com maçãs e romãs"
c. 1871-1872
The National-Gallery, Londres

As romãs trazem-me sempre a lembrança da casa da minha bisavó materna, onde havia, no quintal, junto à porta da cozinha uma árvore de pequeno porte, mas que em determinada época do ano (que na altura, devido à minha pouca idade, não conseguia identificar) se enfeitava com uns estranhos frutos que tinham coroas como as princesas...

Na casa da minha bisavó contavam-se muitas histórias de reis e rainhas, fadas e heróis, lendas e adivinhas ... o que eu gostava de ouvir as minhas tias-avós dizer adivinhas! ... sobretudo aquela que perguntava :
"De Roma veio meu nome,
com coroa nasci.
Tive mil filhinhos,
e todos de vermelho os vesti."

Ah! ... fingia sempre que não a conhecia (depois de a ouvir dezenas de vezes) e exclamava como se tivesse descoberto a resposta: É a romã !!!

No Dia de Reis abriam-se romãs e comiam-se alguns bagos, pedindo aos Reis Magos, Baltazar, Belchior e Gaspar: saúde, paz, amor e dinheiro.
Cortavam-se as coroas das romãs e colocavam-se, até ao ano seguinte, na gaveta onde se guardava o dinheiro, para que este não faltasse.
Não sei se resultava, mas em tempos tão difíceis era bom que a tradição ainda fosse o que era.
Não custa nada tentar ...

BOAS FESTAS

2011-12-19T14:32:00.000-08:00

Votos de FELIZ NATAL a todos os Visitantes deste blogue !

Leonardo da Vinci
"A Virgem dos Rochedos"
c. 1483-85
Óleo sobre madeira - 199x122 cm
Museu do Louvre, Paris

O Nascimento de Jesus é um acontecimento que tem sido tema artístico ao longo de muitos séculos, no entanto, os artistas do Renascimento representaram-no de forma mais delicada e natural, abandonando as composições rígidas e formais.
"A Virgem dos Rochedos" de Leonardo da Vinci faz parte das obras que representam a Virgem Maria de forma delicada e protectora.

Este ano (a partir de Novembro) e até ao próximo dia 5 de Fevereiro de 2012 reunem-se na National Gallery, de Londres oito pinturas e algumas dezenas de desenhos e estudos de Leonardo da Vinci, numa exposição intitulada "Leonardo da Vinci, Pintor na Corte de Milão".

A este período da vida de Leonardo da Vinci, na Corte de Ludovico Sforza, Milão, pretencem duas versões da "Virgem dos Rochedos" - uma pertencente ao Museu do Louvre (c. 1483-85), outra à National Gallery (c. 1495-1508) e que é possível observar lado a lado nesta exposição (acontecimento certamente irrepetível).

BOAS FESTAS !

Observando um Quadro ... de Renoir - nº 19

2011-12-06T13:32:00.000-08:00

Os impressionistas franceses revolucionaram o modo de exprimir a realidade visível, desligaram-se da representação fiel da natureza para reproduzir a sua verdade perceptiva e sensível.
Para poderem reproduzir uma realidade tão mutável experimentaram profundas inovações técnicas, saindo dos seus ateliers e pintando directamente "sur le motif" ao ar livre e perante a natureza.
Procuraram captar os efeitos da luz, que davam ao seu trabalho características de imediatismo e espontaneidade, por isso, não surpreende que encontrassem motivo para o seu estudo nos jardins interiores. O jardim privado emergiu, assim como um tema favorito dos impressionistas.

Pierre-Auguste Renoir
"The Garden in the Rue Cortot, Montmartre"
1876
Óleo sobre tela- 152x97 cm
Carnegie Museum of Art, Pittsburgh

O Jardim na Rue Cortot era um parque de um castelo do século XVIII, que estava descuidado quando Renoir o descobriu em 1875-76.
A sua beleza selvagem e a proximidade do "Moulin de La Galette" (que se tornou tema de uma das suas mais famosas pinturas) levou o pintor a alugar uma casa de campo nesta rua para si e para a sua família.
O Jardim da Rue Cortot serviu para Renoir como estúdio fora de portas e também como tema para a sua pintura.
A natureza indomável do jardim leva-nos para a pincelada larga e variada do estilo impressionista, que no caso de Renoir adquiriu uma liberdade sem precedentes.
As dálias vibrantes e incandescentes, que surgem em primeiro plano, são o verdadeiro motivo deste quadro!
No plano do fundo surgem duas figuras masculinas - possivelmente os seus amigos Claude Monet e Alfred Sisley - paradas,em pé, a conversar.
A liberdade de Renoir brilha nos traços que parecem tecer as duas figuras nos padrões criados pela luz fria e pela sombra contrastante que envolve o jardim.

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-12-03T02:47:00.000-08:00

Reprodução do quadro
"The Garden in the Rue Cortot, Montmartre",1876
de Pierre-Auguste Renoir

Executada por Eva Afonso
2010

A não perder ... Exposição " A perspectiva das coisas - A Natureza-Morta na Europa" Parte II

2011-11-26T13:27:00.000-08:00

Há algum tempo que tenho a intenção de colocar este post mas, por razões várias da minha vida, ainda não tinha tido oportunidade de o fazer. Falo da Exposição "A Perspectiva das Coisas - A Natureza-Morta na Europa" II Parte, que pode ser vista no Museu Calouste Gulbenkian, em Lisboa, até dia 8 de Janeiro de 2012.
Quem visita esta exposição observa um excelente espectáculo de luz e cor e tem uma óptima oportunidade de assistir ao dealbar da modernidade na pintura.
A II parte da Exposição "A Natureza-Morta na Europa" Séculos XIX-XX (1840-1955) parte de uma Europa transformada após o legado de Napoleão e se este género pictórico se manteve estável desde o século XVI até ao final do século XIX, vai sofrer "... uma fragmentação ou mesmo um colapso relativo no século XX, um século dominado pelas Vanguardas e pelo Modernismo". *
Nesta mostra estão reunidas 93 obras de 70 artistas, oriundas de Museus, Instituições, Colecções públicas e privadas espalhadas um pouco por todo o mundo e que o comissário Neil Cox (Professor da Universidade de Essex, especialista em arte francesa do século XX, com tese de doutoramento sobre Picasso) organizou não de forma cronológica, mas distribuindo-as por temas, abordados em 12 núcleos.

A Exposição começa com o núcleo "Reflexões sobre a presença" e um quadro de Paul Cézanne, "Natureza-Morta com Pote de Gengibre e Beringelas"- 1893-94.

"O desafio que a arte da maturidade de Cézanne nos coloca é que façamos uma avaliação do que é coexistir com um mundo de coisas em nosso redor e de como percepcionamos e pensamos a realidade que se apresenta perante nós". **

A exposição continua com o tema "Negociar a tradição: dádivas da Natureza e artifícios". "Na segunda metade do século XIX, em Paris, muitos artistas procuraram rever a tipologia-padrão tipo das naturezas-mortas académicas patentes nos Salons oficiais. Mas foi preciso confrontar os códigos existentes, como fez Gustave Courbet, para se encontrar alternativas à tradição académica." **

Édouard Manet
"Flores numa Jarra de Cristal"
c. 1882
Óleo sobre tela - 32,7x24,5 cm

Caminhando em direcção ao núcleo "Jogos de relações: a natureza-morta enquanto forma" encontramos, entre outros ...

Claude Monet
"Ramo de Girassóis"
1881
Óleo sobre tela - 101x81,3 cm

Vincent van Gogh
"Ramos de Castanheiro em Flor"
1890
Óleo sobre tela - 73x92 cm

O núcleo " Estrutura e espaço" abarca os primeiros anos do século XX que " ...ficaram marcados, na pintura, por uma rápida sucessão de inovações radicais: o abandono do naturalismo no desenho ou na cor e a rejeição sumária da construção em perspectiva, a própria representação podendo ser concebida de novo como uma linguagem de signos ou como vestígio expressivo da experiência subjectiva".**

Juan Gris
"Vista da Baía"
1921
óleo sobre tela - 63,5x96,5 cm

Avançando na exposição encontramos o tema "Exílios e outros: política, primitivismo e o eu interior". "Uma das principais correntes de pensamento que contribuiu para o desenvolvimento da arte moderna foi a da crescente valorização dos indivíduos e das culturas consideradas marginais, "os estranhos" ou "os outros", por contraste com a "civilização" da Europa Ocidental. Gauguin e Van Gogh procuraram novos modelos para a sua arte entre as comunidades rurais e também nas estampas e outros objectos japoneses, como na "Natureza-Morta com leque".

Paul Gauguin
"Natureza-Morta com Leque"
1888
Óleo sobre tela - 50x61cm

Henri Matisse
"Natureza-Morta, Ramo de Dálias e Livro Branco"
1923
Óleo sobre tela - 50,2x61 cm

Em "A essência das coisas: materialidade e imaterialidade" podemos observar como na "arte moderna, a interrogação da existência das coisas anda a par de um questionamento radical das estratégias da representação. Os trabalhos de cubistas, futuristas e outros grupos da vanguarda colocavam uma variedade de questões profundas sobre as condições ou a perspectiva a partir das quais podemos apreender as coisas na pintura, sobre a natureza da realidade do mundo exterior, ou mesmo sobre a nossa capacidade de a transformar ou refazer." **

Georges Braque
Natureza-Morta (Jornal e Limão)
1913
Óleo, grafite e carvão sobre tela - 34,8x26,7 cm

Caminhando mais um pouco encontramos o núcleo :"A vida moderna: máquinas e produção em massa" onde a máquina é celebrada pela primeira vez na arte moderna com o Futurismo, na obra de artistas como Carlo Carrà, Boccioni e Gino Severini."

Ao passarmos ao núcleo "Modernismo: identidades nacionais e a atracção de Paris" podemos apreciar como " o Modernismo parisiense foi para muitos artistas europeus a referência central no desenvolvimento das suas práticas artísticas." **
Neste núcleo encontramos trabalhos de artistas portugueses como Amadeo de Souza-Cardoso, Eduardo Viana, Mário Eloy e Vieira da Silva que estudaram nos círculos modernistas de Paris.

Eduardo Viana
"K4 Quadrado Azul"
c.1916
Óleo sobre tela - 47,5x56 cm

E a visita prossegue com a tema "As próprias coisas: o choque da fotografia". "O desenvolvimento da natureza-morta na modernidade teve lugar a par com a circulação generalizada de fotografias e (posteriormente) com a invenção do cinema." **

E por que não avançar um pouco mais e observarmos o núcleo "A crise do objecto: sonhos e pesadelos"? " O Surrealismo, movimento literário e artístico fundado por Breton com diversos outros poetas, escritores e artistas franceses em 1924, procurava acima de tudo transformar a realidade através da força da imaginação." **

René Magritte
"O Retrato"
1935
Óleo sobre tela - 73x50 cm

Estamos agora perante o núcleo "Da cena de caça ao horror" onde vi alguns visitantes recuarem discretamente, talvez pouco à vontade ... seria ?

Pablo Picasso
"Natureza-Morta com Caveira e Três Ouriços-do-Mar"
1947
Óleo sobre tela - 60x72,5 cm

E estamos finalmente chegados ao último núcleo: "Da Perspectiva das coisas".
"Esta exposição coloca várias questões:
Afinal, o que significa a natureza-morta na modernidade?
Será que o género foi capaz de sobreviver aos muitos desafios que se colocaram, como é demonstrado pelas obras aqui presentes, derivados do Cubismo, Futurismo, Dadaísmo, Construtivismo e surrealismo?
E terá resistido à brutalidade dos acontecimentos ocorridos no mundo?" **

Com o percorrer desta exposição fazemos uma viagem através de vários tempos e geografias da natureza-morta na pintura ocidental.

Ao terminar esta visita tive a tentação de voltar atrás e rever todas as obras expostas, mas os meus olhos, a minha mente e o meu coração estavam cheios, não valia sobrecarregá-los, por isso prometi a mim mesma que havia de regressar e voltar a observar estas obras.

Aconselho vivamente uma visita a esta Exposição, mas não deixem para o final (8 de Janeiro de 2012) porque felizmente está a ser muito concorrida ...

Preço da entrada: cinco euros

* Catálogo da Exposição
** Desdobrável da Exposição

Gostaria de vos mostrar algumas imagens da montagem desta exposição:

Termino este post com uma vista geral da exposição:

Esta é uma exposição a não perder ...

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-11-18T15:00:00.000-08:00

Reprodução do quadro "Dedham Lock and Mill" c. 1818
de John Constable (1776-1837)

Executada por Eva Afonso
2011

A não perder ... Exposição " Frida Kahlo - As Suas Fotografias"

2011-11-11T15:35:00.000-08:00

No Pavilhão Preto do Museu da Cidade, em Lisboa, vai estar patente, até dia 29 de Janeiro de 2012, uma exposição intitulada: "Frida Kahlo - As suas fotografias".
Esta exposição mostra um pouco da história pessoal de Frida Kahlo e da sua intimidade, do país em que nasceu e da época em que viveu.
Pablo Ortiz Monasterio (historiador e fotógrafo mexicano) seleccionou 257 das 6500 fotografias que fazem parte do espólio da Casa Azul/ Museu Frida Kahlo no México e comissariou esta exposição constituída por seis núcleos: Os Pais: Guillermo e Matilde; A Casa Azul; O Corpo Acidentado; Os Amores de Frida; A Fotografia; e A Luta Política.
Do acervo da Casa Azul/ Museu Frida Kahlo fazem parte, entre outros objectos, vestidos, livros, revistas, documentos, fotografias, muitas fotografias ... e são algumas dessas fotografias ( não essas ... mas fotos de fotos executadas pelo fotógrafo mexicano Gabriel Figueroa) que podemos apreciar no Museu da Cidade, em Lisboa.

Esta é uma exposição a não perder ...

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-11-04T04:39:00.000-07:00

Eva Afonso
"Caminhando por Óbidos - II"
Óleo sobre tela - 55x46 cm
2010

Observando um Quadro ... de Goya- nº 18

2011-10-31T17:23:00.000-07:00

Hoje, segundo a tradição, comemora-se a Noite das Bruxas e mesmo para aqueles que não acreditam nelas, há que ter em conta a velha frase popular da Galiza "eu non creo nas meigas, mais habelas hainas" - ( eu não acredito em bruxas, mas elas existem).
Não sei se Goya acreditava nelas, mas que as pintou, pintou ...

Francisco Goya (1746/1828), durante a sua longa vida, testemunhou um dos períodos mais conturbados da História da Europa. Viveu uma época marcada pelas ideias iluministas, pela Revolução Francesa e pelas Guerras Napoleónicas.
Entre 1808 e 1814 assitiu aos horrores da Guerra Peninsular, quando as tropas de Napoleão Bonaparte invadiram a Espanha, depõem o rei e o substituem pelo seu irmão José Bonaparte.
São deste período algumas das pinturas mais dramáticas de Goya.
Já antes da Revolução Francesa e das campanhas napoleónicas muitos artistas "agarraram" em temas relacionados com a morte, mas Francisco Goya foi, talvez, um dos mais arrojados quer nos temas que escolheu, quer na forma como os tratou.

Goya, após prolongada doença, passou de "pintor da corte" a "pintor político" e "crítico social" e as suas obras deixaram de transmitir apenas o mundo exterior em que vivia, para passar a revelar também as visões e os pesadelos que existiam no seu pensamento.
Em 1799 publicou uma série de 80 gravuras a água-forte intitulada "Caprichos" - palavra que está relacionada com fantasias pessoais e extravagâncias - que Goya caracterizava como caricaturas que não pretendiam atacar ninguém (esta era certamente uma forma de se defender e proteger de ataques jurídicos). Mas é precisamente através destas gravuras que Goya se dá a conhecer como apoiante das ideias iluministas.

Mas a par das gravuras perturbadoras da série "Caprichos" pintou também telas representando feitiçarias, assassinatos e a loucura.

O quadro "Bruxas no Ar" faz parte desse período do pintor.

Francisco Goya
"Bruxas no Ar"
Óleo sobre tela - 43,5x31,5 cm
1797-1798
Madrid, Colecção Jaime Ortiz Patiño

Neste quadro Goya pinta bruxas que se elevam enquanto sugam o sangue de alguém moribundo ou já morto. No solo um homem cobre a cabeça com um pano branco e faz "figas" com os dedos para afastar os maus espíritos, enquanto outro, aterrorizado, deitado no chão, protege a cara com as mãos para não ver a cena.

Esta noite das Bruxas sugeriu-me a apresentação deste quadro de Goya.

Saturno de Goya e de Vik Muniz

2011-10-25T14:06:00.000-07:00

No Museu do Prado, Madrid, encontra-se uma pintura que me causa alguma perplexidade - a obra "Saturno" de Francisco Goya.

Francisco Goya
"Saturno"
Óleo sobre tela - 146x83cm
1820-1823

Este quadro faz parte das chamadas "pinturas negras" da casa de Goya. Nelas as figuras aparecem de olhos esbugalhados, mostrando o branco na parte superior e as pupilas na inferior, as bocas surgem abertas ou a comer. É deste modo que Goya pinta Saturno, rei dos Titãs.

Saturno é o deus romano que foi equiparado ao grego Cronos, filho de Úrano (o Céu) e de Geia (a Terra).
Avisado, pela sua mãe ou pelo oráculo, que um dos seus filhos o deporia do trono, devorou-os um a um à medida que nasciam.

Goya ao pintar este quadro, quis dar-nos esta visão de horror, para isso utilizou um pincel grosso registando toda a acção com um realismo brutal. Esqueceu todas as referências deste mito antigo e apenas nos mostra um monstro devorando avidamente um cadáver.

Pois foi precisamente este um dos quadros que Vik Muniz "retrabalhou", reproduzindo-o em grande escala.

Vik Muniz
"Saturno devorando um dos seus filhos, depois de Francisco Goya"
2005

Vik Muniz "construiu" esta obra com lixo e uma das leituras possíveis será pretender mostrar-nos que, tal como Saturno, enlouquecido pelo poder, não quer dar espaço às gerações seguintes, também a sociedade de consumo está indiferente ao mundo que deixa às novas gerações.

Tal como no mito de Saturno é preciso proteger a sua mãe Geia (a Terra)!

Retrato (s) de ... Franz Liszt

2011-10-25T13:42:00.001-07:00

No último post recebi uma sugestão de um leitor deste blogue, a qual muito agradeço e
aqui fica para nosso gáudio.

Retrato (s) de ... Franz Liszt

2011-10-22T09:54:00.000-07:00

Completam-se hoje 200 anos sobre o nascimento de Franz Liszt (1811-1886), considerado unanimemente um dos maiores compositores de todos os tempos, assim como um pianista genial. Sobre este príncipe do Romantismo Alan Walker, a propósito do seu virtuosismo como pianista, escreveu “ Liszt era um fenómeno natural e a audiência era dominada por ele ... com a sua cativante personalidade e a sua larga melena de cabelo solto criou uma encenação assombrosa. Muitas das testemunhas declararam, mais tarde, que a forma de interpretar do pianista elevou o estado de ânimo dos espectadores a um nível de extâse místico”.

Mas Liszt não foi só imortalizado pela genialidade da sua obra, foi-o também por alguns fotógrafos e pintores da sua época.

Para assinalar esta data elejo dois quadros, de dois artistas que o pintaram: Henri Lehmann (1814-1882) e Josef Danhauser (1805-1845).

O primeiro foi amigo de Liszt, aluno de Ingres e mestre de Camille Pissarro e Georges Seurat. Retratou também Gounod, Chopin, Stendhal, entre outros notáveis seus contemporâneos.

Henri Lehmann
"Retrato de Franz Liszt2
Óleo sobre tela - 1,130x 0,860cm
1839
Museu Carnavalet - Paris

O segundo, Josef Danhauser, um artista austríaco, foi um elemento proeminente do período Biedermeier e pintou, em 1840, este imaginativo retrato colectivo.

Josef Danhauser
"Franz Liszt fantasiando ao piano"
Óleo sobre tela - 119x167cm
1840

Neste retrato de conjunto podem ser identificados, sobre o piano o busto de Ludwig van Beethoven; sentados da esquerda para a direita, Alexandre Dumas (pai), George Sand, Franz Liszt, Marie d´Agoult; de pé Hector Berlioz ou Victor Hugo, Niccolo Paganini, Gioachino Rossini. Na parede podemos ainda ver um retrato de Byron e sobre uma consola, à esquerda, uma estátua de Joana d´Arc.

Aqui deixo uma singela homenagem a Franz Liszt e aos que o pintaram.

A não perder ... Exposição VIK - Vik Muniz

2011-10-18T13:15:00.000-07:00

Entrar num Museu e depararmo-nos com obras executadas com materiais completamente improváveis, instáveis ou mesmo perecíveis como a calda de chocolate, o açúcar, a pasta de amendoim, o caviar ou o lixo ... arregalam-se-nos os olhos!
Assim é a exposição VIK do artista brasileiro Vik Muniz patente no Museu Colecção Berardo, Lisboa, até ao último dia do ano de 2011.

Vik Muniz nasceu em 1961 em São Paulo, Brasil, e vive actualmente em Nova Iorque.
Desde que começou a trabalhar, teve sempre como objectivo: comunicar com as massas através do desempenho de vários papéis como designer, escultor, fotógrafo, pintor, crítico, criador de ilusões...

Esta exposição reune cerca de 100 obras desde os anos 80 até à actualidade constituindo uma retrospectiva da obra deste artista, fazendo com que o espectador perceba o processo criativo do autor e a evolução do seu trabalho.

Para Vik Muniz "a arte não é para a elite", por isso " o desafio [do meu trabalho] é levá-lo para um público mais diversificado, com a esperança de atrair mais interesse para o universo das artes plásticas, que oferece tanto para tão poucos" - Vik Muniz.

Ultimamente este artista desenvolveu projectos que envolvem comunidades desprotegidas e problemáticas como as dos Meninos de rua de São Paulo ou a dos "catadores" de lixo no Rio de Janeiro. Este último deu origem ao filme "Lixo Extraordinário" que teve o prémio do público de melhor documentário no Festival de Sundance em 2010.

Para quem não conhece a obra deste artista coloco aqui algumas imagens do seu trabalho, utilizando apenas o critério da diversidade de materiais, e um pequeno vídeo que nos mostra de alguma forma o seu processo criativo.

Material - calda de chocolate

Material - geleia de uva e manteiga de amendoim

Material - macarrão e molho de tomate

Material - diamantes

Material - lixo

Poderia colocar mais imagens mas creio que para amostra chega. Vale a pena ir ao Museu Colecção Berardo, (Centro Cultural de Belém) ver estas e outras obras, pois lá ganham outra magnificência.

Esta é uma Exposição a não perder ... e tem entrada gratuita.

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-10-02T03:15:00.000-07:00

Eva Afonso
"Sem Título"
Óleo sobre tela - 61x46 cm
2011

Um olhar ... José Escada

2011-09-19T13:41:00.000-07:00

"Nós devemos a cada instante, reconquistar o sentido da vista, pois os nossos olhos transformam-se rapidamente em holofotes distraídos.
Olhemos, por consequência, gratuitamente."

José Escada

José Escada nasceu em Lisboa em 1934.
Ainda antes dos 20 anos, teve um atelier no Rossio, com Lourdes Castro, René Bertholo, João Vieira e Gonçalo Duarte, seus companheiros da ESBAL (Escola Superior de Belas Artes de Lisboa).
Muito activos começaram a participar em exposições, sobretudo nas iniciativas da Sociedade Nacional de Belas Artes e editaram de 1953 a 1955 a revista VER.
Profundamente católico, José Escada aderiu ao Movimento de Renovação de Arte Religiosa.

Nos finais dos anos 50 parte para Paris.
Em 1960, com os companheiros de atelier, que também tinham partido para Paris e a que se juntaram Costa Pinheiro, Jan Voss e Christo Javacheff forma o KWY. O grupo expõe em Sarrebrucken, Lisboa, Paris e Rio de Janeiro.
Em 1962, em Roma, concedeu uma entrevista à rádio italiana onde criticou o regime de Salazar, facto que lhe valeu o estatuto de exilado.
Em 1968, Marcelo Caetano pôs fim ao seu exílio político.
José Escada faz parte do grupo de artistas que contribuiram, nos anos 60, para a renovação da arte portuguesa.

Tirando algumas obras dos anos 60 os seus desenhos, pinturas e recortes têm quase sempre uma matriz figurativa.

Morre em 1980, com 46 anos.

Maria Arlete Alves da Silva (texto adaptado)

A não perder ... Exposição de José Escada

2011-09-15T14:33:00.000-07:00

Visitei há algumas semanas uma exposição do pintor José Escada (1934-1980), no Centro de Arte-Colecção Manuel de Brito, Palácio Anjos/Algés, que vai estar patente até dia 2 de Outubro.

Esta exposição mostra um conjunto considerável de obras, mais de 70 de 1951 a 1979, percorrendo as várias fases do pintor.
Mas a obra de José Escada, apesar desta exposição, permanece ainda desconhecida e a necessitar de um trabalho de pesquisa e apresentação/divulgação mais vasto.

José Escada começou como artista por volta dos anos 50, nesta fase a sua obra aproxima-se de Jean Bazaine e Alfred Manessier pela abordagem que estes pintores fizeram à arte religiosa. Nos anos 60, quando já estava emigrado/exilado em Paris admirou Paul Klee e Matisse e na sua fase de realismo simbólico aproximou-se da Gauguin.
Segundo Eurico Gonçalves "O trajecto estético de José Escada passa pelo informalismo
gestual , a pintura-desenho de signos-neofigurativos a caligrafias em relevo, recortadas em cartolina e material plástico de cor translúcida, antes de desembocar no realismo poético, autobiográfico e intimista, da sua derradeira fase".

Fiquei interessada em conhecer a obra deste artista que tão precocemente deixou a vida (aos 46 anos).
Mas como escreveu António Alçada Baptista, seu amigo, "Para os que julgam que ele acabou no desespero, posso assegurar que, cada vez mais despojado das coisas, morreu na esperança e que, com ela, manteve até ao fim o olhar, a curiosidade e a inquietação da infância".

Foi este olhar, esta curiosidade e esta inquietação que encontrei tanto nos trabalhos a tinta da china, como nos com jogos de cor e formas simétricas que se repetem, repetem ...
Mas as minhas emoções explodiram numa pequena sala, tão intimista, quase um relicário, onde estão expostas as obras que mais me sensibilizaram: "Rosácea", "A levitação", "Pensando em Chartres" ...

Esta é uma exposição a não perder...

José Escada
"Pensando em Chartres"
Óleo sobre tela - 32x46cm
1971

Referências:

"Repetir transformando" - José Luis Porfírio - Suplemento Atual do Semanário Expresso - 6/8/2011;
"O senhor dos papéis" - Cláudia Almeida - Revista Visão - 8/9/2011;
"José Escada no CAMB - Centro de Arte Manuel de Brito" - Catálogo da Exposição;
"José Escada" - Folheto Informativo da Exposição

Observando um Quadro ... Outras Dánae - nº 17

2011-08-30T09:09:00.000-07:00

No último post escrevi sobre algumas "Dánae" de Ticiano e digo isto porque além das que vos apresentei existem outras que são atribuídas a Ticiano.

Mas como prometi vou continuar com este tema mitológico visto por outros pintores.

Rembrandt (1606-1669) foi outro artista que representou Dánae.

Rembrandt
"Dánae"
Óleo sobre tela - 185x202,5cm
Museu do Hermitage - São Petersburgo

Esta obra é incrivelmente audaz para a pintura holandesa do século XVII; mostra-nos uma mulher completamente nua e muito próxima do observador.
Rembrandt não representou a chuva de ouro, alterando assim a clássica iconografia do encontro amoroso entre Dánae e Zeus.
Esta heroína mitológica surge neste quadro como esperando o amado e por isso tem sido algumas vezes confundida com Vénus esperando Marte.

Mas o mito de Dánae não podia escapar a Gustav Klimt (1862-1918), porque a sua arte é plena de sensualidade e erotismo. A mulher é o seu principal tema, quase exclusivo: pinta-a nua ou sumptuosamente ornamentada, deitada ou em pé, em todas as posições e atitudes.

Como podia deixar de pintar Dánae?

Klimt não lhe ficou indiferente e na Exposição de 1908 apresenta duas alegorias da humanidade, uma delas Dánae.
Pinta-a como um "paparazzo", tornando-nos "voyeurs" e cúmplices.

Gustav Klimt
"Dánae"
Óleo sobre tela
1907/08
Colecção Privada, Viena

Klimt "fixa" o momento em que Zeus "visitou" Dánae disfarçado de chuva de ouro e dessa visita nasceu um filho: Perseu.
Gustav Klimt escolheu pintar o momento preciso da concepção de Perseu: uma torrente de moedas de ouro misturadas com espermatozóides dourados transbordam entre as coxas volumosas da "princesa adormecida".
O mito de Dánae, para Klimt, não é mais do que um pretexto para representar o extâse amoroso feminino.

Vou deixar-vos com algumas das muitas Dánae pintadas por artistas de várias épocas:

Jan Gossaert (1478-1533)

Antonio da Corregio (c.1489-1534)

Domenico Tintoretto (c. 1518-1594)

Gaspar Becerra (1520-1570)

Hendrik Goltzius (1558- 1617)

Orazio Gentileschi (1563-1639)

Artemisia Gentileschi (1593-1653)

Joachim Wtewael (1566-1638)

Cornelius van Poelenburgh (1594-1667)

Antonio Bellucci (1654-1726)

Giambattista Tiépolo (1696-1770)

François Boucher (1703-1700)

Carolus Duran (1837-1917)

Alexandre Jacques Chantron (1842-1918)

Léon-François Comerre (1850-1916)

Egon Schiele (1890-1918)

Matisse ( 1869-1954)

Observando um Quadro ... As Dánae de Ticiano - nº 16

2011-08-21T10:40:00.000-07:00

Este Verão, tímido e titubeante, hesita entre dias joviais de Sol pleno e dias de "cortinados" corridos, de um cinza plúmbeo, que não deixam passar os raios de luz que enchem a nossa alma de alegria.
E foi num desses dias cinzentos de chuva miúda e impertinente, enquanto passeava o meu cão, que me pus a observar o céu e dele caía uma poalha prateada que repassava as laçadas do meu casaco de malha e me deixava encharcada.
Ah! E ... se em vez de pó de chuva prateada, caísse do céu pó de chuva de ouro?
Talvez muita crise que por aí anda diminuísse. Ou talvez não!
Mas isso são contas de outro rosário.
E a caminhada lá continuou com passada vigorosa, sim, porque o meu cão não é amigo da passeios calmos, gosta de passo apressado e correrias tresloucadas.
E ia eu nisto, quando me veio à memória um episódio da mitologia grega em que entra a princesa Dánae, mãe do herói Perseu.

O mito de Dánae foi, ao longo dos tempos, muito difundido tanto na literatura ( grega, latina e medieval) como nas artes plásticas.

Vamos então ao mito de Dánae:
Dánae era filha de Acrísio, rei de Argos.
Acrísio, um dia consultou o oráculo de Delfos, que predisse que morreria às mãos de um neto, filho de Dánae.
Assustado com esta predição e para evitar que se cumprisse, decidiu encerrar a filha, juntamente com uma serva, numa câmara de bronze subterrânea que mandara construir.
Mas apesar de todas estas precauções, Dánae concebeu um filho.
Como?
Não há impedimentos para os deuses! Nem para o ouro!
O deus Zeus enamorando-se pela jovem Dánae decidiu chegar até ela transformando-se numa fina chuva de ouro entrando na câmara subterrânea através de uma fenda. Desta união nasce uma criança: o herói Perseu.

Este mito foi frequentemente invocado como símbolo do poder absoluto do ouro sobre os corações humanos e como símbolo da capacidade que o ouro tem de abrir as portas mais aferrolhadas.

Esta história mitológica continua com episódios intrincados e narrativas cheias de acção e aventura, mas vou ficar por aqui.
Apenas acrescento que a predição do oráculo de Delfos se cumpriu: Perseu, filho de Dánae, matou Acrísio, seu avô.

O mito de Dánae tem agradado a artistas que o têm representado nas suas obras, desde a época clássica (nos vasos gregos de figuras vermelhas)

até aos nossos dias, passando por pintores renascentistas e barrocos.

O pintor veneziano, Ticiano (Tiziano Vecellio)(1490(?) - 1576) tratou este tema mitológico em diversas ocasiões a pedido de ilustres personagens, desejosas de possuir uma imagem da beleza feminina cheia de erotismo.

No Museu do Ermitage (São Petersburgo) encontra-se uma dessas obras de Ticiano.

Ticiano
"Dánae"
Óleo sobre tela - 120x187 cm
1553
Museu Ermitage - São Petersburgo

Ticiano pintou Dánae como uma jovem numa pose voluptuosa, junto à velha serva que procura recolher, no avental, o que sobra da chuva de ouro que cai do céu.
Ticiano ao incluir a velha serva pretende evidenciar, por contraste, a avidez desta e a juventude e beleza da rapariga convertida em receptáculo.

Esta Dánae do Museu do Ermitage é muito semelhante a outra que Ticiano pintou para o rei Filipe II de Espanha e que se encontra no Museu do Prado (Madrid).

Ticiano
"Dánae recebendo a chuva de ouro"
Óleo sobre tela - 129x180 cm
1553/54
Museu do Prado - Madrid

Esta obra está inserida numa série de obras mitológicas que este artista pintou para Filipe II e a que ambos chamaram "Poesias".

Este quadro do Museu do Prado é muito belo e sensual, mostra uma jovem mulher nua, reclinada e outra velha, vestida, sentada de costas, levantando o avental para receber parte das moedas de ouro que iam caindo.
A obra está dividida em três partes: no lado esquerdo encontra-se Dánae, deitada numa pose sensual, no direito está a velha serva e no centro o céu negro que a pouco e pouco se torna dourado e de onde caem as moedas ou pó de ouro e que faz a união dos dois mundos (o de Dánae e o da velha serva).
A postura desta jovem mulher nada tem de púdica, até parece abandonar-se com prazer à presença do deus Zeus. Tudo indicia desejo sexual: o tom de pele claro, a boca entreaberta, o cabelo desalinhado caindo sobre o peito, a atitude brincalhona com o cãozito.
Ticiano apresenta-a como uma cortesã.

Esta Dánae espanhola, conservada no Museu do Prado, foi precedida por uma versão encomendada pelo príncipe Ottavio Farnesio ou pelo Cardeal Alessandro Farnesio ( as fontes apontam os dois nomes) e que hoje se encontra no Museu Capodimonte, em Nápoles.
Só nesta versão é que Ticiano fez acompanhar Dánae de Eros, o Cupido, deus do amor.

Ticiano
"Dánae e o Cupido"
Óleo sobre tela - 117x69 cm
1545
Museu Capodimonte - Nápoles

Estes quadros têm muitas semelhanças, por exemplo a pose da protagonista, mas no do Museu de Capodimonte, os efeitos da luz realçam, há um grande contraste entre o fundo escuro e o branco níveo da pele de Dánae, nos outros dois, nos dos Museus do Ermitage e do Prado os contrastes são mais cromáticos. Neste último a paleta é mais desenvolta e vibrante.

Este tema mitológico tem apaixonado muitos pintores, a ele voltarei em breve.

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2011-08-05T01:45:00.000-07:00

Se há lugares que não se deixaram contaminar por cadeias de "fast food", lojas asiáticas com balões vermelhos baloiçando ao vento ou dragões dourados presos às paredes exteriores dos estabelecimentos, Marvão é um desses locais.

A Vila de Marvão, na sua dignidade majestática, "senta-se no trono" que é o topo da serra de Sapoio que faz parte do Parque Natural da Serra de S. Mamede (Alto Alentejo).

No alto da moldura de muralhas que a rodeiam, esta Vila mantém-se vigilante a "terras de Espanha [e] a praias de Portugal".

Entrando pelas Portas da Vila encontramos quase tudo como outrora, até parece que ainda ouvimos os cascos dos cavalos a ressoar nas lages das ruas muito estreitas.

Entre arcos ogivais ou de volta perfeita, casas de grossas paredes e portas e janelas com molduras graníticas imaginamos cavaleiros, soldados, canteiros e artífices nas suas actividades diárias.

Subindo a Rua das Portas da Vila chegamos ao Largo do Pelourinho, aí numa das esquinas encontramos o edifício dos antigos Paços do Concelho, que remonta aos séculos XV/XVI e que albergou no 1º piso a cadeia e nas traseiras o Tribunal.

É nos antigos Paços do Concelho - Casa da Cultura de Marvão - que está patente até dia 31 de Agosto uma pequena mostra de alguns dos meus trabalhos de pintura.

Se passarem por esta magnífica Vila não hesitem em entrar na Casa da Cultura, que está aberta das 9,30h | 13h e das 14h | 17,30h e dêem uma olhadela aos meus trabalhos.

Estão convidados.

Retrato (s) ... Auto-retrato de James Ensor

2011-07-16T08:46:00.000-07:00

O auto-retrato do pintor James Ensor (1860-1949) a "emergir" no meio de uma multidão de máscaras, que se empilha e empurra, chamou-me a atenção quando o encontrei enquanto folheava um livro de História da Arte. E pensei: que teria levado este pintor a auto-retratar-se de forma tão bizarra?

James Ensor
"Auto-retrato entre máscaras"
Óleo sobre tela - 117x82 cm
1899
Komaki (Japão), Menard Art Museum

A pintura de James Ensor inspirou-se na tradição flamenga (que vai de Bosch a Bruegel), nas representações medievais do inferno e nas alegorias moralistas do século XVII e aliou o irónico ao burlesco numa forte denúncia social.

Neste quadro J.Ensor rodeia-se de máscaras.
Há neste trabalho uma tensão entre o indivíduo (ele) e a multidão (máscaras) que o "esmagam", fazendo-o ressaltar para o quarto superior direito.
As máscaras e o indivíduo incorporam-se e ao olharmos o quadro não sabemos se vai ser a máscara a transformar-se em rosto, se o rosto a tornar-se máscara.
É nesta bipolarização máscara/indivíduo que "descobrimos" James Ensor. É uma meia-máscara, que surge entre a multidão, de rosto destapado para que o identifiquemos. Apresenta-se como uma figura aristocrática de barba e chapéu decorado com uma pena, olhando-nos por cima do ombro com uma expressão séria.

J. Ensor utilizou repetidamente as máscaras nos seus quadros.
Estava encantado por elas, cresceu e viveu rodeado de conchas, objectos exóticos e acessórios carnavalescos na loja de recordações da sua mãe, em Ostende (Bélgica)

Neste auto-retrato sentimos esse fascínio que o pintor tinha, desde a infância, pelo mundo das mascaradas. A composição deste quadro é quase a decoração da montra da loja da sua mãe.

Mas será só esse fascínio que o levou a pintar-se deste modo?
Talvez não.
Neste quadro, povoado de seres mascarados e coloridos, Ensor pinta-se numa postura barroca, querendo escapar desse mundo de alienados.

No início da sua carreira os seus trabalhos nem sempre foram bem aceites pelos críticos e pelos seus colegas pintores.
Só a partir de 1886 o seu trabalho começou a ser reconhecido e foi tendo cada vez mais sucesso.
Serão as máscaras, que o rodeiam, os críticos e os colegas artistas que o afrontavam?
Não o podemos confirmar, mas foi o próprio Ensor que afirmou:
"Comecei a ter prazer em pintar máscaras e, desde então, sempre as fiz. Então, pude verificar do ponto de vista filosófico a hipocrisia dos rostos, as suas tentativas para esconder o seus interesses, o seu engano. O meu novo estilo esmagou estes cobardes com o meu desprezo. Fiquei feliz com o caminho que escolhi. Naturalmente levou-me aos excessos e à violência da cor. Expus o ponto de vista egoísta subjacente na crítica dos meus colegas pintores, a sua ignorância e má fé, e na impotência dos críticos. Em grande medida, os ataques mesquinhos e maldosos destes antigos imitadores contribuíram para a minha busca desse extraordinário caminho de luzes e excessos. Desta vez, nenhum imitador se atreveu a seguir-me."

James Ensor, com Vincent Van Gogh e Eduard Munch, pertence à primeira fase da vanguarda expressionista, ainda impregnada de teorias simbolistas.

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-07-14T03:08:00.000-07:00

Eva Afonso
"Violetas"
Óleo sobre tela - 27x35 cm
2011

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2011-07-02T02:39:00.000-07:00

Após a inauguração das minhas exposições costumo colocar, nos posts, fotos dessas mesmas exposições.
Por isso, mais uma vez aqui estou para vos mostrar como ficou a sala depois de montada a exposição, na Casa de Artes e Cultura do Tejo, em Vila Velha de Rodão.
Se passarem por esta Vila não deixem de apreciar este magnífico espaço e de visitar a minha exposição.
A entrada é gratuita.

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2011-06-29T03:07:00.000-07:00

Convite

Convite aos que quiserem visitar a Exposição:
"Olhares", que vai estar patente, na magnífica galeria da Casa de Artes e Cultura do Tejo, em Vila Velha de Rodão, de 1 a 30 de Julho.
A inauguração ocorrerá pelas 18h.

Casa de Artes e Cultura do Tejo

Horário - Segunda a Sábado - das 9,30h às 12,30h
e das 14h às 18h

Encerra aos Domingos e Feriados

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-06-23T16:38:00.000-07:00

Eva Afonso
"Papoilas" / "Papoulas"
Óleo sobre tela - 40x50cm
2011

Não costumo acompanhar os meus trabalhos com qualquer texto, para além dos elementos descritivos, mas hoje, desculpem-me a imodéstia, apeteceu-me juntar a este trabalho um belo poema de Cesário Verde (1855-1886). Espero que o apreciem tanto quanto eu.

"De Tarde"

"Naquele piquenique de burguesas
Houve uma coisa simplesmente bela
E que, sem ter história nem grandezas,
Em todo o caso dava uma aguarela.

Foi quando tu, descendo do burrico,
Foste colher, sem imposturas tolas,
A um granzoal azul de grão-de-bico
Um ramalhete rubro de papoulas.

Pouco depois, em cima duns penhascos,
Nós acampámos, inda o Sol se via;
E houve talhadas de melão, damascos,
E pão-de-ló molhado em malvasia.

Mas, todo púrpuro, a sair da renda
Dos teus dois seios como duas rolas,
Era o supremo encanto da merenda
O ramalhete rubro das papoulas!"

Pierre Bonnard

2011-06-21T03:39:00.000-07:00

Li, há poucos dias, um artigo de Pedro Mexia, sobre o pintor Pierre Bonnard
(1867/1947).

É um artigo sobre a arte e a felicidade, que me deu prazer ler. Gostaria de o partilhar convosco:

" O que é a felicidade? Toda a gente diz que a arte se ocupa disso. E, no entanto, há, por exemplo, Bonnard.
Cheguei a Bonnard por causa de Degas, porque as banhistas de Bonnard são muitas vezes citadas a propósito das bailarinas de Degas. Mas as banhistas são o zénite de um percurso de júbilo. Bonnard parece ser o homem da abundância terrestre, das folhas, flores e frutos, e sabemos como a natureza era o seu ambiente natural, sobretudo nos últimos anos de vida, no refúgio dos Alpes Marítimos. A natureza em Bonnard, como tudo nela, aliás, é intensamente cromática, de tons laranja e violeta, impressionista no traço e iridescente na sensação. Mas reparem que Bonnard não se preocupa demasiado com a realidade tal como ela é. As regras da perspectiva não se aplicam, ele explicou que queria que tudo fosse visível em igual medida.

Jean Clair ( em "Bonnard", 1975) escreve que o pintor não representava nunca a realidade imediata mas uma realidade recordada. "Não pintar a vida, mas tornar a pintura viva", era o lema de Bonnard, e existe de facto uma estranha autonomia da arte face à realidade. É um real recordado, transfigurado, emotivo. O carpe diem , em Bonnard, não é a pura gratuitidade feliz do momento, como em Renoir, mas a persistência das coisas banais e boas que, revisitadas, ganham gravidade e enigma.

Esta pintura é tão temporal quanto intemporal. Em todas as telas encontramos um vigorosa existência do visível, e de um visível marcado pela passagem do tempo, nomeadamente pela meteorologia. É o visível que está em muito Cézanne e Matisse, mas é um visível frágil, perecível. Ao mesmo tempo, estes quadros podiam ser de qualquer época, tendo em conta os seus motivos, não há ´historicidade` aqui, apenas, década após década, as mesmas naturezas mortas e as mesmas janelas abertas sobre jardins.

Bonnard é o puro pintor, aquele que acredita mais na paixão do visível do que no cepticismo intelectual. Menorizado por alguns por causa dos seus temas demasiados comuns, demasiado burgueses, demasiado plácidos ou intimistas, Bonnard merece a atenção dos desatentos. Porque na irradiação das suas cores, na harmonia dos seus enquadramentos, no desenho das suas figuras, há uma visão inquieta das aparências, que é o mesmo que dizer uma visão inquieta da felicidade. É por isso que me lembro tanto dele.

Sobretudo, é claro, por causa dos nus. Esses nus que são, muitos deles, o mesmo nu, Marthe, que ele conheceu em 1893, e que se tornou seu modelo e depois sua mulher. Existe um tipo físico em Bonnard, como em Degas, as pernas longas, os seios pequenos e altos, as ancas estreitas, e existe uma situação típica o banho. Não são banhistas de mar, as de Bonnard, são mulheres que estão no banho, na banheira, esse local de culto ao corpo, à higiene, à intimidade.

" Crouching nude in the tub"

"La sortie de la baignoire"

" Nu jambe droite levée"

"Nu rose à la baignoire"

Em vez de, como em Renoir, o corpo feminino aparecer directamente associado à natureza, deitado na erva, oferecido, encontramos nestes nus um recolhimento ritual, são mulheres que estão sozinhas, que não estão a ser observadas, que não estão a seduzir ninguém, excepto, claro, Bonnard, que está em frente delas, excepto, claro, nós, que as vemos à distância no tempo. As bailarinas de Degas, que são uma das minhas ideias de felicidade, estão em espectáculo, ou vêm dele, ou vão para ele, mas o espectáculo dos nus de Bonnard é diferente, são Vénus domésticas, que umas vezes parecem estátuas, outras vezes simples silhuetas, que são a experiência imediata de uma felicidade imediata, recatada, finita.

~"Nu a contre-jour"

" Nu en hauteur"

"Dans le Cabinet de toilette"

"Femme devant un miroir"

É o hieratismo quase fictício de "Nu en hauteur" (1906), o movimento de "Femme penchée" (1907), a meninice de "Dans le cabinet de toilette" (1907), a sensualidade de "La cheminée" ( 1916), a quase bailarina de "Femme nue se baissant" (1923), aquele "Nu, jambe droite levée" (1924) cuja perna direita nem sequer se vê, é a composição perfeita de "Nu rose à la baignoire" (1926-1930), o vibrante "Nu de dos à la toilette" (1934), a Ofélia de "Nu à la baignoire" (1936), décadas com o mesmo motivo, com variações pequenas, e significativas de tão pequenas, e sempre ou quase sempre com Marthe.

A arte não se ocupa da felicidade? Quem disse? A felicidade não é apenas a euforia, e a euforia ruidosa. Pierre Bonnard, que acreditava na pintura, na natureza e na mulher, passou a vida inteira a representar, ou antes, a imaginar de novo, a pequena felicidade do visível. Uma felicidade discreta mas exigente, quotidiana mas altíssima. Que passa, como passou, quando Marthe morreu precocemente, por exemplo, mas que sobrevive nos quadros, visível e enigmática. Uma felicidade que se contenta com pouco porque é muito. Que acredita naquilo que vê porque vê aquilo em que acredita." *

Apreciei este texto. Parabéns ao seu autor, que escreveu sobre um pintor que "menorizado por alguns (...) merece a atenção dos desatentos".

* Publicado no suplemento "Atual" do Semanário "Expresso" de 10 de Junho de 2011,
pág.3

Nota - O artigo não continha imagens.

Retrato (s) ... de Fernando Pessoa

2011-06-13T10:19:00.000-07:00

Lembrar Fernando Pessoa, no dia do seu aniversário (13 de Junho de 1888) - um dos maiores poetas portugueses.
Portugueses?
Não, Universais!

José de Almada Negreiros
Retrato do poeta Fernando Pessoa
Óleo sobre tela - 201x201cm
1954
Museu da Cidade, Lisboa

Júlio Pomar
Triplo retrato de Fernando Pessoa (alusão aos principais heterónimos?)
Óleo sobre tela
2007

Celito Medeiros
Retrato de Fernando Pessoa ( homenagem dos 120 anos de Fernando Pessoa)
Pintura a partir da escultura do Professor Lagoa Henriques situada no Largo do Chiado, Lisboa

Desafios ... Resposta: Caspar David Friedrich

2011-06-06T06:31:00.000-07:00

Resposta do post anterior:

Pintor - Caspar David Friedrich

Caspar David Friedrich (1774-1840), pintor alemão da época romântica.

A geração que cresce após as Guerras Napoleónicas e o Congresso de Viena, vive um novo ideal. Os temas tradicionais do classicismo são substituídos pelo mundo íntimo do artista.
A Alemanha desde 1770 conheceu uma corrente precursora do romantismo, o Sturm und Drang (tempestade e íntimo), que foi uma reacção ao racionalismo que o iluminismo do século XVIII defendia, assim como ao classicismo francês.
O movimento romântico surge inicialmente na literatura e na filosofia, mas rapidamente se estende à pintura e os pintores adoptam os pensamentos de Schelling, Fichte, Tieck e Schlegel que se opunham criticamente ao racionalismo do iluminismo e a obra de arte rapidamente se transforma "na voz interior", segundo a expressão de Caspar David Friedrich.
Segundo a filosofia da natureza de Schelling, os pintores passam a pesquisar os segredos do mundo, de acordo com a sua própria intuição e emoção. O tema preferido passa a ser a pintura de paisagens, mas em que a natureza é pintada com os reflexos que incutia na sensibilidade do pintor.
O conceito estético de Sublime, surgiu no século XVIII, transcende o de belo e pitoresco e serve para descrever o "estado de alma" que certas paisagens provocam.
O Sublime é a reacção natural de qualquer ser humano perante um objecto de extrema grandiosidade, como a extensão infinita do oceano, a imponência de uma montanha ou a solidão da floresta e que lhe provoca, simultaneamente, medo e prazer.

A obra de Caspar David Friedrich "Viajante observa um mar de bruma" é um verdadeiro manifesto ao romantismo. Nela encontramos o repertório iconográfico da época romântica: figuras solitárias e indefesas diante das forças da natureza.

Quadro - "Viajante observa um mar de bruma"
Óleo sobre tela, 98,4x74,8cm
1817 /18
Hamburgo, Hamburger Kunsthalle

Em primeiro plano está representado um monte escarpado pontiagudo e escuro onde, de pé, um viajante de costas para o observador, olha fixamente o horizonte longínquo.
Bem lá longe, surgem montanhas sobre nuvens de nevoeiro que se elevam das profundezas e das rochas áridas e aguçadas que emergem aqui e ali.
Mas o pintor não se limita a representar a natureza tal como ela é, dá-lhe um significado expresso através de símbolos: o homem de costas olha para um ponto inatingível e o que vê é, ao mesmo tempo, algo exterior e a projecção do seu eu.
Esta figura solitária tem uma dupla função na composição da obra, por um lado, marca a escala de grandeza, onde é reconhecida a superioridade da natureza e por outro lado, marca o ponto de contemplação, pois não estamos somente a olhar para uma paisagem, estamos a também a contemplar a experiência de um indivíduo perante a grandeza da natureza.
A pintura romântica pretende integrar o observador na obra, tal como as personagens, geralmente de costas, o observador contempla as paisagens distantes que se estendem à sua frente.
O próprio quadro transforma-se num espelho, em que o observador se quiser ver, para além de uma simples paisagem, terá de lhe dar um significado mais profundo, segundo as suas emoções.

Deixo-vos com algumas obras deste pintor:

"O caçador na floresta"
1814
Óleo sobre tela, 66x47cm
Colecção privada

"Os penhascos de Rügen"
c. 1818
Óleo sobre tela, 90,5x71cm
Museu Oskar Reinhart am Stadtgarter

"Mulher diante da aurora"
c. 1818/ 20
Óleo sobre tela, 22x30cm
Museu Folkwang, Essen

"A árvore com corvos"
c.1822
Óleo sobre tela, 59x73cm
Museu du Louvre, Paris

"A lua nasce no mar"
c.1822
Óleo sobre tela, 55x71cm
Nationalgalerie, Berlin

"Homem e mulher contemplando a lua"
c. 1824
Óleo sobre tela, 34x45cm
Nationalgalerie, Berlin

Desafios ...

2011-06-01T01:06:00.000-07:00

Mais um desafio!

Aqui vai, mais um repto.

Quem pintou este quadro cheio de mistério e sublimidade?

Ao olhar esta obra veio-me à memória um poema de Fernando Pessoa, que aqui deixo para vosso/nosso deleite:

" Braços cruzados, fita além do mar.
Parece em promontório uma alta serra -
O limite da terra a dominar
O mar que possa haver além da terra.

Seu formidável vulto solitário
Enche de estar presente o mar e o céu.
E parece temer o mundo vário
Que ele abra os braços e lhe rasgue o véu."

Fernando Pessoa - "D. João o Segundo" in "Mensagem"

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-05-27T03:58:00.000-07:00

Eva Afonso
"Casa branca"
Óleo sobre tela - 30x40cm
2011

A não perder ... Exposição "Arte Portuguesa do Século XIX (1850-1910)" no Museu do Chiado

2011-05-18T15:34:00.000-07:00

Uma boa sugestão de fim de semana será, certamente, uma ida ao museu.
Há sempre algo a descobrir e ainda mais quando este apresenta uma exposição com obras de grande qualidade.
Neste post quero assinalar uma exposição a não perder no Museu Nacional de Arte Contemporânea - Museu do Chiado (Lisboa) intitulada: "Arte Portuguesa do Século XIX (1850-1910)" e que termina já no próximo dia 12 de Junho!

Vista da Exposição
Galeria 1 - Piso 2A
Fotos Luís Piorro

Esta é a primeira de três exposições que vão decorrer no Museu do Chiado, para comemorar o seu Centenário.
Estes três momentos expositivos (1850-1910; 1910-1960; 1960-2011) abarcam toda a história da pintura portuguesa desde 1850 até aos nossos dias.

A 1ª exposição (1850-1910) é constituída por seis núcleos temáticos e mostra, através de 100 obras de grandes pintores deste período, como Alfredo Keil, José Malhoa, Silva Porto, Columbano Bordalo Pinheiro ou Soares dos Reis..., o núcleo fundador da colecção deste Museu.

João Cristino da Silva (1829-1877)
"Cinco artistas em Sintra"
Óleo sobre tela
1855

João Marques de Oliveira (1853-1927)
"Praia de Banhos, Póvoa de Varzim"
Óleo sobre tela
1884

António Silva Porto (1850-1893)
"Volta do mercado"
Óleo sobre tela
1886

José Malhoa (1855-1933)
"Clara"
Óleo sobre tela
1903

Esta é uma Exposição a não perder ...

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-05-10T10:38:00.000-07:00

Eva Afonso
"Refúgio"
Óleo sobre tela - 41x33 cm
2010

Observando um quadro ... de Giotto - nº 15

2011-05-05T15:51:00.000-07:00

Giotto foi o pintor que abriu um novo capítulo na história da pintura.
Foi ele que rompeu com a tradição medieval, que consistia numa ordenação pictórica bidimensional e orientada segundo uma perspectiva hierárquica.
"Giotto cria uma pintura totalmente moderna, caracterizada por um forte pathos emotivo, de formas narrativas épicas e extremamente coerentes, por tons reais e profundamente humanos". *

Giotto di Bondone
"A Deposição de Cristo" ou "Lamentação pela Morte de Cristo"
(Pormenor do ciclo Cenas da Vida da Virgem e de Jesus)
Fresco - 200x185cm
Capella degli Scrovegni - Pádua
1303-1306

No quadro "A Lamentação pela Morte de Cristo"
podemos verificar que as figuras nele representadas já não são estereótipos pintados de acordo com o padrão tradicional, mas são apresentadas como seres com sentimentos, em pranto e luto frente ao corpo inerte de Cristo.
Todas as figuras que rodeiam Cristo mostram expressões de dor e gestos de grande sofrimento.

O ponto de entrada na composição é-nos dado por duas mulheres sentadas, cobertas por grandes capas, viradas de costas para nós.

Há um grande recolhimento nestas figuras, que colocadas na posição do observador, quase nos permite, pelo menos mentalmente, tocar no corpo de Cristo.

Também a figura de S. João mostra muito sofrimento.

Representado com os braços lançados para trás numa atitude profundamente dramática e com a boca meia aberta como que soltando um grito de dor.

Neste quadro, Giotto conseguiu dar novas formas à expressão da dor.

Até os anjos estão "humanizados"

e mostram sentimentos, chorando e esvoaçando desordenadamente, enchendo o céu de pranto.

Giotto inovou, não só na representação da expressão da dor como também na do mundo divino, que na tradição medieval era apresentado como uma esfera do além, em que toda a grandeza e perfeição eram dadas pela utilização de um fundo dourado.
Giotto substituiu esse fundo dourado por uma paisagem, transformando a superfície em espaço, em "espaço narrativo" como lhe chamou Wolfgang Kemp.
Na "Lamentação pela Morte de Cristo", criou uma paisagem através de uma linha de colinas ao fundo, rematada por uma árvore morta.

Giotto, neste quadro, numa forma muito original de compor esta passagem da morte de Cristo, usa o declive da rocha para descrever uma diagonal descendente que leva o olhar do observador até ao cadáver de Cristo, no canto inferior esquerdo, nos braços da Virgem Maria.

Há neste quadro um profundo luto.

* "Guia de História de Arte" - dirigido por Sandro Sproccati - Editorial Presença, 2009

Giotto di Bondone

2011-04-27T11:31:00.000-07:00

No último post coloquei uma imagem de um fresco de Giotto, pintado na Capella Scrovegni em Pádua.
Escolhi este trabalho pela temática alusiva à morte de Cristo, mas também por ter sido executado por Giotto di Bondone.
Muitas histórias e mitos se tecem à volta de Giotto.
Gosto particularmente de um episódio em que Cimabue, famoso pintor florentino, ao passar pela pequena cidade de Vicchio, observou o jovem Giotto que, enquanto tomava conta de um rebanho de carneiros, desenhava nas rochas um dos animais com tal precisão que o fascinou.
Sophia de Mello Breyner em "O Cavaleiro da Dinamarca" conta a história do seguinte modo: " Tal como Adão foi o primeiro homem da terra assim Cimabue foi o primeiro pintor da Itália. E foi ele quem descobriu o talento do jovem Giotto.
(...)
Enquanto as ovelhas pastavam a erva tenra de Abril, pastor, ajoelhado em frente dum penedo, desenhava. Era um rapazito que aparentava uns doze anos de idade e estava tão atento, tão absorvido no seu trabalho, que não viu chegar Cimabue (...).
Estava a desenhar um cordeiro. E havia tanto amor, tanta verdade e tanta beleza no seu desenho que o coração de Cimabue se encheu de espanto e de alegria.
(...)
- Como te chamas?
- Giotto.
- Ouve, Giotto. deixa as tuas ovelhas e vem comigo para Florença. Farei de ti meu discípulo e serás um dia um grande pintor."

E esta profecia cumpriu-se - Giotto tornou-se um grande pintor.
Tão afamado que Dante Alighieri na "Divina Comédia" -Purgatório- canto XI , faz uma reflexão sobre a efemeridade de toda a fama terrena e escreve:
"Cimabue acreditava deter o domínio na pintura mas agora o grito vai para Giotto e a fama do anterior é assombrada"

Também Giorgio Vasari, pintor e escritor de arte, descreve a relação entre Cimabue e Giotto como de mestre e aluno, mas ressalta que, a pouco e pouco, Giotto se foi tornando mais célebre, ensombrando o brilho de Cimabue.
Em 1550, Vasari escreveu as biografias dos mais importantes artistas italianos -"Descrição das Vidas dos mais famosos Arquitectos, Pintores e Escultores Italianos", que pode ser considerada a primeira "História da Arte". Nesta obra Vasari designa Giotto como "Pai da Pintura", fazendo-o encabeçar a lista dos pintores da modernidade.

Votos de Feliz Páscoa

2011-04-19T11:08:00.000-07:00

Giotto di Bondone
"A Deposição de Cristo" ou "Lamentação pela Morte de Cristo"
(Pormenor do ciclo Cenas da Vida da Virgem e de Jesus)
Fresco - 200x185cm
Capella degli Scrovegni - Pádua
1303-1306

Desafios ... Resposta: René Magritte

2011-04-12T15:17:00.000-07:00

"Se eu soubesse pintar"

"Não tenho, nunca tive, engenho para a pintura,
mas se o tivesse gostava de pintar como Magritte ... " José Jorge Letria

Cá está a resposta a este desafio:

Pintor - René Magritte
Título - "Saudade"
Ano - 1940

Segundo Marcel Paquet: " Magritte vira subversivamente do avesso a percepção: os objectos que pinta são todos claramente reconhecíveis provém de uma esfera banal e quotidiana, contudo, logo que pintados de uma forma bastante académica (...) mudam, e tudo mergulha na incerteza." *

Este pintor vai-se libertando das aparências de uma forma provocadora e surpreendente.
Assim, neste quadro, o leão e o homem alado ali estão, lado a lado, numa ponte, um sítio onde não parecem pertencer.
O homem está, de costas, perdido nos seus pensamentos, sonhando, melancolicamente, em fugir, voar ou até morrer, parece que quer escapar à prisão que este mundo representa.

* Parquet, Marcel - "Magritte" - Taschen - 1992

Desafios ...

2011-04-08T13:40:00.000-07:00

Mais uma vez lanço um repto àqueles que, além de amarem a Pintura, gostam de responder a desafios ...

Qual o pintor deste quadro?

Para polvilhar este desafio vou utilizar pepitas brilhantes de um poema de José Jorge Letria intitulado : "Se eu soubesse pintar", mas a que falta o nome do pintor.

"Não tenho, nunca tive, engenho para a pintura,
mas se o tivesse gostava de pintar como ....... ,
que é como quem diz: gostava de trocar as voltas ao mundo,
deixando, pelo menos na aparência, o essencial no seu lugar.
Gostava de inventar anjos vestidos de burocratas,
de encher as telas com espelhos que fossem janelas
abertas para outros espelhos que mostrassem a paisagem
manchada de sangue e de tinta de pintar papagaios de papel,
gostava de inventar reis com pés de mármore e de bronze,
paralisados na inércia imemorial dos seus tronos,
gostava de apedrejar estátuas gregas com maçãs de prata
e de retratar os deuses e os mitos com a inocência
desnorteante dos meninos perdidos na imensidão dos areais.
Mas eu não sei pintar, nem sequer me atrevo a tentar,
pois não seria audácia digna de perdão.

Eu pinto no que escrevo as coisas de que me lembro,
as que vão levedando na água turva da memória
alucinada pela pressa de uma vida a tentar viver
várias vidas de uma vez só."

Bom desafio ...

Ah! ...
Será dificultar pedir-vos o título deste Quadro?

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-04-05T04:51:00.000-07:00

Eva Afonso
"Pausa na caminhada" - Serra de Sintra
Óleo sobre tela - 55x46cm
2011

Por que gostamos de uma obra de arte?

2011-03-30T13:58:00.000-07:00

Neste post quero deixar-vos um pensamento de Thomas Mann:

" Qualquer produto intelectual de valor que se pretende surta um efeito imediato, vasto e profundo, tem de conter uma secreta harmonia, uma afinidade mesmo entre o destino pessoal do autor e o destino da generalidade dos seus contemporâneos.
As pessoas não sabem por que razão atribuem fama a uma obra de arte.
Longe de serem "connaisseurs", julgam descobrir nela uma centena de virtudes para justificar tal apreço; mas o verdadeiro motivo do seu aplauso imponderável - é a simpatia."
Thomas Mann, in "Morte em Veneza"

Boas Reflexões !!!

"Os Esposos Arnolfini" - Jan van Eyck

2011-03-23T16:32:00.000-07:00

Gostaria de continuar com a análise da obra "Os Esposos Arnolfini" de Jan van Eyck.

Quantos enigmas pode encerrar um quadro ...

Quantas interpretações podem ser apresentadas ...

Este duplo retrato foi encomendado por um rico mercador italiano, Giovanni Arnolfini, ao já prestigiado pintor flamengo Jan van Eyck.
Este mercador estabeleceu-se na cidade de Bruges (Flandres), em 1420, atraído pelas possibilidades comerciais desta zona do Norte da Europa.
Arnolfini adquiriu uma extraordinária riqueza, da qual este quadro é um reflexo, integrou-se bem na sociedade flamenga e ocupou altos cargos na corte de Filipe o Bom.

Segundo Erwin Panofsky (historiador de Arte) esta obra seria a celebração do casamento de Giovanni Arnolfini com Giovanna Cenami e a demonstração do seu poder e riqueza.

Outra interpretação fala-nos de um possível exorcismo, ou cerimónia para recuperar a fertilidade, visto que Arnolfini e sua esposa não tiveram filhos.

Em 1990, o investigador francês Jacques Paviot descobriu no arquivo dos duques de Borgonha um documento do casamento de Giovanni di Arrigo Arnolfini datado de 1447. Se atentarmos na data inscrita no quadro - 1434, este não pode comemorar o seu casamento.

Além disto a descoberta que o modelo do esposo, neste quadro, não era Giovanni de Arrigo Arnolfini, mas sim o seu irmão Giovanni de Nicolao Arnolfini leva à reavaliação desta pintura. Poderá continuar a ter uma função comemorativa, mas foi encomendada para comemorar o primeiro aniversário da morte de Constanza Trenta, esposa de Giovanni di Nicolao Arnolfini, morta em 1433.

Desafios ... Resposta: Jan Van Eyck

2011-03-20T02:46:00.000-07:00

Van Eyck com o quadro "Os Esposos Arnolfini" antecipa três futuros géneros da pintura: o retrato de corpo inteiro, o interior e a natureza morta.
Retrato - Esta obra é, sem dúvida, uma das contribuições mais importantes de Van Eyck no campo do retrato de um tema não hagiográfico.
Representa um dulpo-retrato, o casal Arnolfini.
O casal aparece em primeiro plano, de pé, sumptuosamente vestido. O marido estende a mão esquerda, onde se apoia a mão da mulher e levanta a direita num gesto de promessa, como a bendizer a esposa.

Jan van Eyck
"Os Esposos Arnolfini"
Óleo sobre madeira - 81,8x59,7 cm
1434
Londres, The National Gallery

Interior - É também uma cena de interior, em que Van Eyck nos abre a porta do interior de um quarto nupcial. Do lado direito está o leito com dossel coberto de panos vermelhos, e do lado esquerdo aparece, rasgada na parede, uma janela por onde entra suavemente a luz do dia que ilumina em cheio o rosto da mulher(o que nos traz à memória as pinturas de Vermeer).
Entre as personagens ergue-se uma linha central e vertical que começa no cão, passa pelo banco e mãos dos esposos, prossegue pelo espelho e assinatura do pintor e termina no lustre preso ao tecto.
O ponto de fuga, marcado pelo mobiliário,janela,tábuas do soalho e traves do tecto prolonga-se pelo espelho convexo, que é o elemento mais arrojado e inovador nesta obra.

Nele estão reflectidos não só o casal visto de costas, como mais duas personagens, uma das quais um auto-retrato de Van Eyck. Estas personagens assistem ao evento, partilhando o nosso espaço de observadores. Este artifício foi mais tarde usado por Velázquez em "As Meninas".

Natureza morta - Os socos de madeira, abandonados no lado esquerdo sobre o chão, também de tábuas de madeira, são uma verdadeira natureza morta.

Neste quadro os objectos colocados parecendo por casualidade têm uma interpretação simbólica. Os artistas do século XV representam muitos símbolos camuflados por objectos do quotidiano.

O espelho convexo - impecável (speculum sine macula) é o símbolo da pureza da Virgem e mostra a cena numa perspectiva inversa, em que podemos ver o casal por trás e ao mesmo tempo duas personagens, que assistem à cerimónia nupcial como testemunhas (naquela época não era necessário um sacerdote). O espelho é fundamental para mostrar a presença destas testemunhas, uma das quais seria o próprio pintor, vestido de azul.

E para que não houvesse dúvidas, na parede por cima do espelho, Van Eyck colocou a seguinte inscrição: "Johannes de Eyck fuit hic. 1434" ( Jan van Eyck esteve aqui. 1434).
A assinatura pode ter tido a função de testemunho de um acto solene - uma acta matrimonial.

O espelho colocado em lugar central apresenta uma moldura que exibe cenas da Paixão de Cristo e tem à esquerda, suspenso na parede, um rosário de contas de cristal, símbolo de pureza.Naquela época era comum o noivo oferecer à futura esposa um rosário, fazendo-lhe lembrar a necessidade de preservar a oração.

As frutas colocadas sobre a arca e o parapeito da janela evocam o estado imaculado que precede o pecado.

As laranjas não existiam no Norte da Europa, eram importadas do Sul. Conhecidas como maçãs do Éden estão neste quadro para lembrar que os filhos de Eva foram expulsos do paraíso por pecarem.

Os socos (os dela junto à cama e os dele em primeiro plano à esquerda) lembram-nos que o lugar é sagrado e alude a uma ideia de fertilidade.

Também as cores utilizadas têm um valor claramente simbólico: o verde do vestido da esposa é símbolo de fertlidade e os panejamentos vermelhos do leito nupcial alude à paixão.

A inclusão do cão aos pés dos noivos é mais um símbolo mas que alude à fidelidade.

Reparemos agora no lustre que, embora o quarto esteja banhado pela luz do dia, mantém uma vela acesa como símbolo do mistério de que Cristo tudo vê, e ao mesmo tempo representa a chama do amor que se pode consumir.

Desafios ...

2011-03-04T15:52:00.000-08:00

Este é um desafio fácil para todos os amantes de pintura.
É o quadro mais célebre de um pintor flamengo.

Atreva-se!

Qual o pintor?

Ah! Já agora, o título do Quadro?

Desculpem não poder dar prémio aos vencedores, mas o quadro encontra-se em Londres na National Gallery.

Observando um quadro ... de Matisse - nº 14

2011-03-03T14:46:00.000-08:00

Henri Matisse
"Conversa"
Óleo sobre tela - 177x217 cm
Colecção Schukin, Moscovo,
posteriormente no Museu Estatal de Arte Moderna Ocidental de Moscovo;
no Ermitage desde 1948

Embora não seja, talvez, uma das obras mais conhecidas de Henri Matisse (1869-1954), é provavelmente a mais inquietante. A composição e a cor captam o olhar do observador.
"Sinto através da cor..."
Neste quadro Matisse "eterniza" uma conversa entre duas personagens que ladeiam uma janela que rasga uma parede azul, azul muito forte e que deixa ver a paisagem exterior, de cores joviais. Muito interessante é o desenho do varandim que, com as suas linhas curvilíneas, separa o espaço interior do exterior.
À direita está uma mulher sentada com um vestido de forte contraste cromático com a parede. À esquerda surge um homem, de pé, recortado sobre o fundo, dominando a mulher com a posição pronunciada de verticalidade.
Estas duas personagens mantêm uma conversa, apesar de separados pela janela.
Esta obra apresenta uma composição equilibrada na disposição das figuras que criam entre si harmonia e dissonância.

É um quadro interessante de Matisse, que foi um pintor que passou brevemente pelo pontilhismo e a partir de 1901 partilhou as pesquisas dos Fauves sobre a cor, mas que manteve uma linguagem extraordinariamente expressiva acima de qualquer mudança de gosto e de estilo.

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2011-02-15T14:57:00.000-08:00

Uma vez mais convido todos aqueles que quiserem estar presentes na inauguração de uma Exposição de alguns dos meus trabalhos na Galeria Municipal de Arruda dos Vinhos - Centro Cultural do Morgado, no dia 19 de Fevereiro pelas 16h.

A Exposição estará patente até 16 de Março de 2011.

Agora e Sempre Van Gogh ...

2011-02-09T13:40:00.000-08:00

Voltar agora e sempre a Van Gogh!!!
Este pintor genial deixou Paris em 1888 e mudou-se para Arles, no Sul de França.
Foram as cores quentes e o brilho da luz do Sol desta região que o fascinaram.
É aqui que pinta vários quadros de flores e árvores em flor.
É aqui que pinta uma série de obras com os famosos girassóis.
É aqui que trabalha frequentemente ao ar livre.

Van Gogh
"O Pintor a Caminho do Trabalho"
Arles, Julho de 1888
Óleo sobre tela - 48x44 cm
Destruído pelo fogo na Segunda Guerra Mundial
anteriormente no Kaiser-Friedrich- Museum,
Magdeburgo

O que nos mostra Van Gogh, neste quadro?
Um "peintre ouvrier" vestido com roupas de trabalhador rural e largo chapéu de palha que parte para o trabalho carregado com os seus pincéis, tela, paleta e cavalete.
O pintor caminha com dificuldade, sob o peso do material, debaixo de um Sol escaldante a que as árvores da beira da estrada não dão sombra, ao contrário do seu corpo que projecta uma sombra negra e disforme que o persegue.
Lá ao longe, a linha do horizonte é ponteada por ciprestes ( mais uma vez os ciprestes) erguidos para o céu como uma ameaça.

É nesta paisagem deserta que Van Gogh se retrata, no meio de uma imensa solidão.

Mais uma vez volto a Van Gogh porque o considero um pintor de excepção!!!

Coloco neste post um video que, além de mostrar uma série de quadros de van Gogh, apresenta também uma bela canção: "Vincent" (de que gosto muito) e que é uma maravilhosa homenagem a van Gogh.

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-02-05T10:00:00.000-08:00

Eva Afonso
"Descansar perto do céu"
Óleo sobre tela - 50x50 cm
2011

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-02-04T08:58:00.000-08:00

Eva Afonso
"A Ponte" - S. Pedro do Sul
Óleo sobre tela - 50x70 cm
2010

Os trabalhos de Eva Afonso

2011-02-02T02:54:00.000-08:00

Eva Afonso
"O Moinho" - S. Pedro do Sul
Óleo sobre tela - 60x50 cm
2009

A não perder ... Exposição "Columbano" no Museu do Chiado

2011-01-27T13:45:00.000-08:00

Columbano volta ao Museu do Chiado – Lisboa.

Em 2007, foram exibidos no Museu Nacional de Arte Contemporânea – Museu do Chiado (Lisboa) 70 quadros realizados entre 1874 e 1900 por Columbano Bordalo Pinheiro (1857-1929) , no âmbito da comemoração do 150º aniversário do nascimento deste pintor.

Em Dezembro de 2010 a obra de Columbano volta ao Museu do Chiado, integrada desta vez nas Comemorações dos Centenários da República e do Museu Nacional de Arte Contemporânea - Museu do Chiado.
Vão estar patentes, até 27 de Março de 2011, 75 obras de Columbano de 1900 a 1929 (ano em que faleceu). A maior parte dos quadros expostos fazem parte do acervo do Museu do Chiado, (do qual este pintor foi director de 1914 a 1927), mas também podem ser apreciadas peças que fazem parte de colecções particulares, instituições nacionais e museus internacionais, como o Museu d’Orsay, Galeria Delgi Uffizi – Palazo Pitti e Museu das Belas Artes do Rio de Janeiro.
Esta exposição está organizada em sete núcleos: “Momentos de consagração”; “No centro do retrato”; “O intimismo”; “A expressão da modernidade”; “A imagem do artista. O auto-retrato”; “Pintura decorativa”; “Estudo laboratorial da pintura de Columbano”.
No primeiro núcleo são apresentadas obras de referência de Columbano, como “Um Concerto de Amadores” e “O Grupo do Leão”, ainda realizadas no século XIX e que fazem a ponte entre a exposição de 2007 e a de 2010.

Columbano Bordalo Pinheiro
"Um Concerto de Amadores"
Óleo sobre tela - 220x300 cm
1882
Museu do Chiado - Lisboa

Columbano Bordalo Pinheiro
"O Grupo do Leão"
Óleo sobre tela - 200x380 cm
1885
Museu do Chiado - Lisboa

Columbano Bordalo Pinheiro
"Mulher com Luneta"
1896
Museu Nacional das Belas Artes, Rio de Janeiro - Brasil

No segundo núcleo são apresentados retratos de várias figuras da elite intelectual e política do início do século XX. Como realçou a comissária da exposição, Maria de Aires Silveira são retratos “ efectuados após inúmeras sessões e poses, reflectem uma subjectividade própria, entendida do interior, através de uma paleta escurecida que valoriza a iluminação do rosto e mãos.”

Columbano Bordalo Pinheiro
"Retrato do Professor João Barreira"
1900
Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro - Brasil

Columbano Bordalo Pinheiro
"Retrato de Alfredo Cunha"
1904
Colecção Particular

Columbano Bordalo Pinheiro
"Retrato de Bulhão Pato"
1908
Museu Nacional de Arte Contemporânea, Museu do Chiado - Lisboa

Columbano Bordalo Pinheiro
"Retrato de Alda Lino"
1910
Colecção Martinho Pimentel

No espaço seguinte “O intimismo”, surgem cenas de interior. São quadros criados em zonas obscurecidas de uma casa de família, em que aparecem objectos e figura feminina numa relação intimista.

Columbano Bordalo Pinheiro
"A Refeição - (Five o'clock Tea)"
Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro - Brasil

Columbano Bordalo Pinheiro
"A chavena de chá"
1898
Museu Nacional de Arte Contemporânea, Museu do Chiado - Lisboa

Columbano Bordalo Pinheiro
"Femme et Fruits"
1899
Museu d'Orsay, Paris - França

“A partir de 1911, Columbano ultrapassa os limites do realismo (…)” e pinta com maior liberdade “(…) tanto na adaptação aos modelos e à sua psicologia, como nos modos de representação” como assinalou a comissária da Exposição referindo-se ao quarto núcleo “A expressão da modernidade”.

Columbano Bordalo Pinheiro
"Retrato de João de Barros"
1917
Colecção Particular

Columbano Bordalo Pinheiro
"Retrato de Raul Brandão e sua esposa"
1928
Museu Nacional de Arte Contemporânea, Museu do Chiado - Lisboa

Seguindo a ordem da exposição deparamo-nos com “A imagem do artista. O auto-retrato”. Não podendo, chegados a este núcleo, deixar de lembrar o retrato de Columbano feito por Fialho de Almeida na obra “Os Gatos”, 1891,IV, pág. 48 : “ (…) homenzinho trigueiro, pequeno, silencioso, com a sua miopia doce e o seu ar contrafeito (…) cheio de susceptibilidades, modesto por orgulho, intransigente por princípio.”

Columbano Bordalo Pinheiro
"Auto-retrato"
1904
Museu Nacional de Arte Contemporânea, Museu do Chiado - Lisboa

Columbano Bordalo Pinheiro
"Auto-retrato"
1927
Galeria Degli Uffizi, Florença - Itália

Columbano Bordalo Pinheiro
"Auto-retrato" inacabado
1929
Museu Nacional de Arte Contemporânea, Museu do Chiado - Lisboa

Esta Exposição presta homenagem a um grande pintor português – Columbano Bordalo Pinheiro - que no entender da comissária da exposição é “(…) o maior pintor do século XIX, é o artista que melhor expressa os valores de modernidade(…)” e que foi uma “testemunha atenta da sociedade portuguesa, ao longo de três gerações, inventariando os espíritos da intelectualidade nacional e as mais destacadas figuras, por vezes em quadros de uma irrealidade original”.

Esta é uma Exposição a não perder…

Ainda sobre "Quadrado Negro sobre Fundo Branco" de Malevitch

2011-01-18T14:52:00.000-08:00

Voltando ao quadro "Quadrado Negro sobre Fundo Branco" de Kazimir Malevitch vou transcrever alguns extractos do texto de José Mário Silva publicado num suplemento do Semanário Expresso de 15 de Janeiro de 2011.
Fala-nos esse texto da "última lição" do filósofo José Gil que ao aposentar-se quis discorrer sobre a génese da linguagem artística e escolheu para tal, a obra do pintor Malevitch: "Quadrado Negro sobre Fundo Branco".

José Gil

José Gil falou para um auditório cheio, "... a rebentar pelas costuras..." como escreveu José Mário Silva e "... explicou logo a abrir que o ofício de "pensar" e de "escrever" é daqueles que não acaba mais".

"Como é que se forma uma linguagem artística se na obra de arte não se pode "isolar uma unidade discreta" e articulá-la com outras unidades autónomas (que é o que acontece na linguagem verbal)?
Eis o ponto de partida para a conferência, na qual José Gil analisa em detalhe um exemplo concreto: a criação da linguagem suprematista de Kazimir Malevitch.
Até 1915, o pintor russo afastara-se progressivamente das formas tradicionais de mimetismo, mas é naquele ano que se dá a crise definitiva, quando pinta o célebre "Quadrado Negro sobre Fundo Branco", que representa apenas o que o título indica: um quadrado negro sobre fundo branco.

"Quadrado Negro sobre Fundo Branco"

Diz a lenda que Malevitch ficou num estado de perturbação total: durante uma semana, não conseguiu comer, beber ou dormir. O pintor acreditava que a representação figurativa trazia para o quadro "qualquer coisa do referente", pelo que o acto de "apagar a representação" implicava "apagar também o referente".
Se o quadrado preto nega a possibilidade de representação, fica em causa a própria possibilidade da pintura. A não ser que esta se transforme noutra coisa. E foi isso o que Malevitch fez, ao criar uma nova linguagem "a partir deste quadrado que começa por ser uma espécie de buraco negro que engole e absorve todas as formas da natureza".
A nova linguagem surge por um processo de reversão: "Ao vir à tona, ao vir à superfície, o quadrado negro reverte-se, há uma reversão de superfícies, como uma luva que se volta ao contrário e o avesso passa a direito e o preto passa a branco".
O branco do "nada libertado", abismo plano onde as figuras se dissolvem, transformadas já não em representações de objectos da realidade concreta mas em abstractas "sensações picturais", a que correspondem forças em vez de formas".

Ao terminar a sua "última lição" José Gil "... aponta alguns problemas que o pensamento filosófico ainda pode trabalhar. O tal novo começo, que implica a consciência de que "não é possível pensar sem pensar livremente e sem risco".

Sem qualquer pretensão da minha parte, o que quis reflectir, no post anterior sobre "Quadrado Negro sobre Fundo Negro", foi sobre o pensamento livre, sem amarras, nem sujeição.

K. Malevitch
"Quadrado Vermelho e Quadrado Negro"
1915
Museu de Arte Moderna, Nova Iorque

Desafios...

2011-01-12T14:34:00.001-08:00

Pablo Picasso
"Les demoiselles d' Avignon"
Óleo sobre tela - 243,9x233,7 cm
1907
Museu de Arte Moderna, Nova Iorque

Há uns dias lancei este desafio.
Parabéns a quem acertou!

Queria agora apenas acrescentar uns muito breves apontamentos sobre o quadro:
As figuras representadas nesta tela eram certamente prostitutas, mas não foi o tema que chocou, mas sim as deformações plásticas.
Picasso encontrou inspiração na escultura ibérica pagã e na arte africana, principalmente nas máscaras.
Ao observarmos os rostos das meninas d'Avignon verificamos que se assemelham a máscaras.
Picasso fragmentou as feições e os corpos formulando o conceito de cubismo.
As meninas d'Avignon são o prelúdio deste movimento artístico.

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2011-01-07T14:25:00.001-08:00

Realizou-se hoje a inauguração da exposição dos meus trabalhos na Casa Senhorial de El' Rei D. Miguel, em Rio Maior.
Esta casa senhorial, com apogeu nos séculos XVII/XVIII, está actualmente transformada em Galeria Municipal, o que condiciona o percurso expositivo e o torna diferente das exposições que fiz anteriormente.
A Galeria Municipal é uma casa, constituída por várias divisões, por isso fui criando núcleos temáticos que agora vos vou mostrar.

Façam favor de entrar.

A Casa é vossa ...

Obrigada pela Vossa visita!!!
.

Homenagem a Malangatana

2011-01-05T15:26:00.000-08:00

Faleceu hoje, aos 74 anos, o pintor moçambicano Malangatana Valente Ngwenya (1936-2011).

" O legado de Malangatana
Entre 1990 a 1994 foi deputado da FRELIMO e ao longo de décadas ligado a causas sociais e culturais. Foi um dos criadores do Museu Nacional de Arte de Moçambique, dinamizador do Núcleo de Arte, colaborador da Unicef e arquiteto de um sonho antigo, que levou para a frente, a criação de um Centro Cultural na “sua” Matalana. E exposições, muitas, em Moçambique e em Portugal mas também mundo fora, na Alemanha, Áustria e Bulgária, Chile, Brasil, Angola e Cuba, Estados Unidos, Índia. Tem murais em Maputo e na Beira, na África do Sul e na Suazilândia, mas também em países como a Suécia ou a Colômbia.

Contando com as obras em museus e galerias públicas e em colecções privadas, Malangatana vai continuar presente praticamente em todo o mundo, parte do qual conheceu como membro de júri de bienais, inaugurando exposições, fazendo palestras, até recebendo o doutoramento honoris causa, como aconteceu recentemente em Évora, Portugal.

Foi nomeado Artista pela Paz (UNESCO), recebeu o prémio Príncipe Claus, e de Portugal levou também a medalha da Ordem do Infante D.Henrique. Em Portugal morreria também o pastor, mainato e pintor, Malangatana Valente."

Extraído de: http://www.publico.pt

Até sempre ... Malangatana

Malangatana
"Perturbação na Floresta"
Óleo sobre tela - 89x153 cm
1987

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2011-01-05T14:33:00.000-08:00

Casa Senhorial de El'Rei D. Miguel
Galeria Municipal de Rio Maior

Vai estar patente de 7 a 31 de Janeiro de 2011, na Casa Senhorial de El'Rei D. Miguel - Casa da Cultura João Ferreira da Maia em Rio Maior, uma exposição dos meus trabalhos de pintura.

Espero por todos os que quiserem dar-me a honra da Sua visita.

Desafios ...

2011-01-04T13:38:00.000-08:00

Para todos os visitantes deste blogue os meus sinceros Votos
de um Bom Ano de 2011!!!

E para começar o ano nada melhor que um bom desafio.
O meu repto de hoje é a descoberta do autor deste quadro que abriu caminho a um novo movimento vanguardista no início do século XX.

Fácil, não é?

Observando um Quadro... de Malevitch ... nº 13

2010-12-30T14:25:00.000-08:00

A escolha deste post recai sobre o quadro: "Quadrado Preto sobre Fundo Branco"
(1915) de Kazimir Malevitch.
Escolhi esta obra porque me parece ser um dos exemplos mais representativos da pintura de vanguarda do início do século XX, desprovida de relações com a realidade. Malevitch (1878-1935) com este quadro reduziu a pintura à pura abstracção geométrica.

Kazimir Malevitch
"Quadrângulo" (geralmente intitulado)
"Quadrado Negro sobre Fundo Branco"
Óleo sobre tela - 79x79cm
1915
Moscovo, Galeria Tretiakov

Em 1915, na "Última Exposição Futurista de Pinturas: 0-10" em Sampetersburgo, Malevitch apresentou este quadro proclamando: "Transformei-me no zero das formas e afastei-me das velharias da arte académica".
"Quadrado Negro sobre Fundo Branco" é a primeira manifestação do Suprematismo, movimento artístico criado por Malevitch. Este pintor desenvolveu este conceito a partir do "cubo-futurismo", negando toda a forma de representação imitativa. Para Malevitch um quadro pintado não tem que ter uma relação com o mundo real. O objecto-pintura não imita nada: existe.

Mas como " Malevitch acima de tudo é um pintor e elaborou este quadro com pequenas pinceladas impressionistas, e não com régua e esquadro e uma cor perfeitamente uniforme, querendo que se sinta a mão do homem nos tremidos e nas deformações das margens do quadrângulo" *, deixem-me devanear ...
Olhar... olhar... olhar... este quadro (sem preconceitos), obrigando-me a um esforço de imaginação e ver nele aquilo que o pintor lá não pôs.
Experimentem ...

* "Malevitch" , Gilles Néret - Taschen - 2004

Quem " matou " o meu menino Jesus ?

2010-12-16T10:35:00.000-08:00

Lembro-me bem da minha meninice quando, na época natalícia, eu e os meus primos, na casa dos meus avós maternos, nos afadigávamos, na noite da consoada, a limpar muito bem a grande chaminé e a lá pôr o sapatinho (bem engraxado) para que o Menino Jesus aí depusesse os brinquedos que pensávamos merecer por termos sido "bons meninos" e nos termos portado muito bem durante o ano.
Dias antes fazíamos um grande presépio, para isso íamos buscar musgo aos muros que bordejavam os riachos onde murmurava a água que escorregava de escarpa em escarpa.
Mas ... a pouco e pouco o sapatinho na chaminé foi sendo substituído por um pinheiro que íamos cortar nas encostas da minha aldeia natal.
Era extraordinário o cheiro das folhas ponteagudas do pinheiro, que não era muito grande, a avaliar pela força de crianças dos 6 aos 10 anos a quem davam a tarefa de o procurar e trazer para casa, sob a supervisão da Delfina ( a criada interna da minha avó - agora dir-se-ia empregada doméstica ).
Em casa começávamos a enfeitá-lo com estrelas, bolas, chocolates (adorava-os em forma de sombrinha), chupa-chupas, nada de luzes... ( naquela aldeia não havia electricidade).
Não sei bem como se deu, na casa dos meus avós, a passagem do sapatinho na chaminé para a árvore de Natal.
Soube mais tarde que a árvore da Natal é uma tradição importada dos países nórdicos e anglo-saxónicos.
Quantas vezes li aos meus alunos "O Cavaleiro da Dinamarca" de Sophia de Mello Breyner Andresen e vi o brilho resplandecente dos seus olhos quando a escritora descrevia a lenda da árvore da Natal. Sophia conta-nos que o Cavaleiro, perdido e cansado, quando chega perto da sua casa se depara com o maior pinheiro do seu jardim todo enfeitado com milhares de estrelas, colocadas pelos anjos para lhe mostrarem o caminho. E foi assim que nasceu, na Dinamarca, a tradição de enfeitar os
pinheiros na noite de Natal que depois se espalhou pelo Mundo.

A chegada do uso da árvore de Natal a Portugal deu-se muito antes de eu e os meus primos a termos usado por volta dos anos 60.
Mal sabíamos nós que foi D. Fernando de Saxe Coburgo e Gotha, marido de D. Maria II, quem trouxera para Portugal esta tradição das cortes austríaca e alemã.

D. Fernando II - o Rei-Artista
"A chegada do Pai Natal"
Desenho, em água forte
1848

Este desenho de D. Fernando mostra-nos o próprio, que segundo os registos da época se vestia, na noite de Natal, com um largo capote com capuz e grandes bolsos onde escondia brinquedos que depois distribuía pelos seus filhos, que o rodeavam entusiasmados.
Ao fundo, mas em posição central, podemos observar uma árvore de Natal enfeitada com candelabros e brinquedos.

Terá sido D. Fernando II o primeiro pai Natal português?

Não sei, mas o meu menino Jesus foi "morto" pelo pai Natal quando o pinheiro, em casa dos meus avós, se enchia de presentes e nós corríamos para ele em vez de nos dirigirmos para a chaminé nas manhãs de 25 de Dezembro.

FELIZ NATAL !!!

Os trabalhos de Eva Afonso

2010-12-15T11:33:00.001-08:00

Eva Afonso
"Para lá da cerca"
Óleo sobre tela - 40x50cm
2010

Eva Afonso
"Campo de papoilas"
Óleo sobre tela - 40x50cm
2010

Desafio ... Resposta

2010-12-14T13:08:00.000-08:00

Quadro: intitulado "Geada"
Pintor: Camille Pissarro

Óleo sobre tela - 65x93cm
1873
Paris, Museu d' Orsay

Camille Pissarro (1830-1903) foi viver para Pontoise em 1873, aí pintou vários quadros dos arredores mais próximos, sendo "Geada" um desses trabalhos.

Desafio ...

2010-12-09T11:17:00.000-08:00

Continuando neste ciclo da neve, lanço um desafio aos visitantes deste blogue: descobrir o nome e o autor deste quadro. Valeu?

Observando um Quadro ... de Monet ... nº 12

2010-12-06T08:41:00.000-08:00

Nestes dias frios em que a neve caiu com generosidade no interior norte e centro do nosso país, lembrei-me de um magnífico quadro de Claude Monet: "A Pega".

Claude Monet
"A Pega"
Óleo sobre tela - 89x130cm
Museu d'Orsay

Nesta época natalícia este é um belíssimo postal, e que postal ... lindíssimo este quadro, de uma grande singeleza, mas de uma mestria extrema para retratar a neve.
Renoir afirmou que: " Na natureza, o branco não existe, sobre a neve existe um céu. O céu é azul; sobre a neve, esse azul deve ver-se".
É isso que conseguimos ver nesta obra de Monet, uma multiplicidade de brancos manchados de violeta, azul e ocre, que nos dão as variações cromáticas e luminosas da neve.

Este trabalho de Monet foi recusado pelo júri do Salon em 1869 alegando que o quadro era demasiado grande para uma paisagem e que as pinceladas eram demasiado soltas, não atendendo ao pormenor.
Monet não se desencorajou com esta recusa. Ainda bem !!! Pois pode exprimir-se livremente, fora do meio fechado e decadente da arte consagrada pelos "Salons" públicos.
Monet iniciou o seu próprio caminho fundando mais tarde o movimento impressionista que alterou "... o modo de ver a natureza e, em geral, o mundo exterior, e de os reproduzir na tela com um imediatismo quer temporal quer sensível" , (Guia de História de Arte - Editorial Presença - pág. 126 - 2009).

A não perder ... Exposição de Monet no Grand Palais

2010-11-28T14:33:00.000-08:00

Quem necessitar ou tiver oportunidade de passar por Paris até 24 de Janeiro de 2011 aconselho uma visita ao Grand Palais, onde está patente uma Exposição do pintor francês Claude Monet (1840-1926).

"Mulheres no Jardim"
Óleo sobre tela - 256x208cm
1866
Musée d'Orsay, Paris

Esta mega exposição apresenta 170 quadros de Monet e já foi vista por mais de 400 mil pessoas, uma média de sete mil visitantes por dia, desde 22 de Setembro de 2010, dia em que abriu ao público.
Uma boa notícia anunciada pela Réunion des Musées Nationaux é que de 21 a 24 de Janeiro esta Exposição vai estar aberta 24 horas.

Esta é uma Exposição a não perder ... (apesar da crise)

A não perder ... a Exposição: "Primitivos Portugueses 1450-1550 O Século de Nuno Gonçalves"

2010-11-21T09:36:00.000-08:00

Ontem, sábado, fui visitar uma das exposições patentes no Museu Nacional de Arte Antiga: " Primitivos Portugueses 1450-1550 - O Século de Nuno Gonçalves", que termina a 27 de Fevereiro de 2011.
Confesso que não apreciei o título desta Exposição, mas como explicou o seu Comissário, José Alberto Seabra Carvalho: "De facto, chamar "primitivos" a pintores como Jan van Eyck, Jean Fouquet ou Nuno Gonçalves (...) pode ser surpreendente e um pouco inadequado. Mas um nome como este tem a sua carga historiográfica e esta exposição, não sendo passadista, é memorativa e reivindica-se de um certo classicismo de ideias."

Esta Exposição está integrada nas Comemorações do Centenário da República e assinala o Centenário da primeira apresentação em público (1910) dos Painéis de S. Vicente do pintor régio Nuno Gonçalves, passando a ser apresentados como a obra "fundadora" e mais célebre da pintura portuguesa.

A visita a esta Exposição é uma "viagem" a cem anos de pintura retabular portuguesa,
entre "Anunciações", "Natividades", "Deposições no Túmulo", "Apresentações do Menino no Templo" ... e não poderia ser de outro modo, visto que o encomendador pretendia obras para igrejas, mosteiros, conventos, capelas ..., "explodem" os Painéis de S. Vicente, com temática ainda algo enigmática, em que as figuras dentro deles, podem ser retratos de portugueses que se sentam ao nosso lado no metro, no eléctrico ou nos cafés, salvaguardando as devidas diferenças da moda.
Obra-prima, sem dúvida, EXCEPCIONAL !!!

Nuno Gonçalves
Pormenor dos Painéis de S. Vicente
Óleo s/ madeira de carvalho
aprox. 207x504cm (total dos painéis)
c.1470
Museu Nacional de Arte Antiga

Mas voltando à minha visita aos "Primitivos Portugueses", percorri os seis núcleos que constituem esta Exposição. O primeiro dedicado ao Século XV está organizado em redor da obra de Nuno Gonçalves. Neste período a pintura portuguesa conseguiu autonomia relativamente à pintura peninsular, flamenga e italiana. Passei ao segundo núcleo, que abarca o reinado de D. Manuel I, onde se destacam pintores como Francisco Henriques, Frei Carlos ou Mestre da Lourinhã. Durante este reinado as fortes trocas comerciais com a Flandres trouxeram a Portugal muitos artistas flamengos influenciando os artistas portugueses.
No terceiro núcleo apreciei obras de "oficinas dispersas" - Viseu, Coimbra, Guimarães. Caminhei em direcção ao quarto núcleo, aí evoca-se a grande oficina existente em Lisboa ( entre 1510 e 1540, onde o artista mais famoso foi o pintor régio Jorge Afonso, que se relacionou com um grande número de artistas como Gregório Lopes, Garcia Fernandes e Cristovão Figueiredo.

Cristovão de Figueiredo
"Deposição no Túmulo"
Óleo s/ madeira de carvalho, 182x156cm
1521-1530
Museu Nacional de Arte Antiga

Passei ao quinto núcleo intitulado "Tempos de Mudança", em que a pintura portuguesa recupera o mundo clássico pintando "ao modo de Itália" integrando elementos da arquitectura clássica na decoração.
Entrando no último núcleo deparei-me com obras de Diogo Contreiras e dos Mestres de Abrantes e de Arruda cheias de expressividade dramática.

O aspecto mais original desta Exposição é o sector em que são apresentados materiais gráficos dedicados ao conhecimento, exposições e polémicas relacionados com os "Portugueses Primitivos" desde 1910.
Nesta zona há ainda uma vasta documentação laboratorial - a reflectografia de infravermelhos - que como afirmou o comissário é " ... um dos aspectos mais inovadores desta exposição."

Esta é uma Exposição a não perder ...

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2010-11-12T14:25:00.000-08:00

Olá a todos os que visitam este blog !
Deixo-vos com algumas fotos da minha Exposição de Pintura na Galeria da Casa da Cultura de Mora, momentos antes da inauguração.

Oxalá apreciem !!!

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2010-11-03T14:32:00.000-07:00

Vai estar patente, de 12 a 28 de Novembro, na Galeria de Exposições da Casa da Cultura de Mora, uma exposição dos meus trabalhos de pintura.

Sintam-se convidados ...

Retrato (s) ... Auto-Retratos de Van Gogh - IV

2010-10-29T11:33:00.000-07:00

Voltar aos auto-retratos de Van Gogh é um privilégio para mim ... escrever sobre este pintor genial, que assinava os seus quadros com um simples nome próprio: Vincent, emociona-me...
Da pesquisa que fui fazendo apercebi-me que por detrás de uma obra excepcional está um homem íntegro, cheio de "bondade e compaixão" como escreveu o pintor Bernard, "um homem honesto ..." como recordou, no seu funeral, o médico que o acompanhava, o Dr. Gachet. Mas Van Gogh foi também um homem sofredor, acometido de terríveis medos e ansiedades.
Numa, das muitas cartas, que dirigiu ao seu irmão Theo afirmou: "Estou, uma vez mais, próximo da (...) loucura (...). Se não tivesse uma espécie de dupla personalidade, uma de monge e outra de pintor, já me encontrava há muito no estado que referi".
Seis meses após escrever esta carta aceitou esse estado de loucura entrando para um mosteiro: o de Saint-Paul-de-Mausole, um hospício em Saint-Rémy, mantendo, no entanto, a sua vida artística intacta.

Em Saint-Rémy ,Van Gogh continuou a pintar, são deste período os auto-retratos que coloco neste post.

Van Gogh
"Auto-Retrato"
Óleo sobre tela - 57x43,5cm
Saint-Rémy, fins de Agosto de 1889
Nova Iorque
Colecção Mrs. Jonh Hay Whitney

Mais uma vez se representa com a cabeça muito magra.
Neste auto-retrato estão evidentes sinais dos conflitos interiores. Agora o seu rosto aparece mais pálido do que o habitual, de um verde amarelado, descorado, mostrando com fidelidade o seu aspecto.
É de realçar que Van Gogh se faz acompanhar neste quadro, dos seus atributos de artista (pincéis e paleta) para nos revelar a sua profissão, auto-afirmando-se como artista.
Neste auto-retrato,os seus olhos fogem dos nossos, há alguma cautela, mesmo resistência em nos olhar nos olhos.
O olhar do artista não está voltado para o exterior, mas para o seu interior, olhando o seu mundo imaginário.

Van Gogh
"Auto-Retrato"
Óleo sobre tela - 65x54cm
Saint-Rémy, Setembro de 1889
Paris, Museu d'Orsay

Depois de deixar o hospital para doentes mentais, em Saint-Rémy-de-Provence, pintou um auto-retrato em que a cor escolhida reflecte o seu estado emocional, a luta que está a travar com os seus próprios demónios.
O rosto surge carrancudo, quase zangado. À volta do nariz e das maçãs do rosto há rugas bem vincadas. As sobrancelhas são grossas e salientes, os cantos da boca aparecem voltados para baixo.
O ritmo das suas pinceladas através de linhas serpenteadas em forma de remoinho (uma das características de algumas das suas obras) aparece no rosto e nas roupas, expandindo-se com grande agitação no fundo azul-gelo.
Os azuis frios e verdes contrastam com o cabelo e a barba em tom vermelho. É este contraste que dá o tom psicológico ao quadro.
O seu rosto demonstra que passou por vários perigos e muita tormenta psicológica.

Van Gogh
"Auto-Retrato"
Óleo sobre tela - 51x45cm
Saint-Rémy, Setembro de 1889
Oslo, Nasjonalgalleriet

Este é o auto-retrato mais desfigurado, cruel e impiedoso de todos os que pintou. O seu rosto é semelhante ao dos camponeses que pintou no início. Nele regressa ao uso de camadas espessas de tinta de cor terra barrenta. Neste quadro não há cores brilhantes, pelo contrário, há falta de luz.
Van Gogh apresenta-se com a orelha mutilada e no rosto com um ar quase ameaçador.
O artista parece rejeitar a sua própria imagem como motivo a retratar.

O fim aproxima-se ...

Retrato (s)... Auto-Retratos de Van Gogh - III

2010-10-23T13:02:00.000-07:00

No post de hoje vou continuar a analisar alguns auto-retratos de Van Gogh realizados durante o período que viveu em Arles.
A partir de Fevereiro de 1888, Van Gogh foi viver para Arles, aí executou "pinturas extraordinariamente impetuosas e intensas", como escreveu Signac, em 1894, no seu diário.
Durante aproximadamente nove meses, Van Gogh viveu, em Arles, uma felicidade que se consegue vislumbrar nas suas obras.
Mais tarde escreveria: "Ainda me lembro claramente da excitação que senti naquele Inverno, ao viajar de Paris para Arles. De como estava constantemente em alerta para ver se já tínhamos conseguido chegar ao Japão."
Segundo Rainer Metzger e Ingo F. Walther - (Taschen - 1996- pág.98) "Van Gogh procurava encontrar o Japão no Sul. (...) Os meses que precederam a sua depressão foram preenchidos pela concepção imaginada de um mundo melhor prometido pelo Japão: Van Gogh procurava chegar a uma utopia, pintando-a como forma de a tentar transformar em realidade concreta."

Van Gogh
Auto-Retrato
(Dedicado a Paul Gauguin)
Óleo sobre tela - 62x52cm
Arles, Setembro de 1888
Cambridge (MA), Fogg Art Museum,
Harvard University

Agora retrata-se com a cabeça magra e o cabelo rapado. Na face angulosa sobressaem as maçãs do rosto.
Neste Auto-Retrato, dedicado ao seu amigo Paul Gauguin, Van Gogh aparece quase como um monge japonês.
O pintor procura parecer o mais oriental possível, com uma expressão muita tranquila, quase transcendente.

Em Outubro de 1888, Gauguin acede aos repetidos pedidos de Van Gogh e vem viver para Arles, no entanto, a harmonia entre os dois é breve. No período de dois meses os desentendimentos e as discussões sucedem-se, levando a uma deterioração do seu relacionamento.
A 23 de Dezembro, depois de uma discussão, Van Gogh andou perdido pela cidade de Arles, até decidir cortar o lóbulo da sua orelha esquerda. Depois foi para casa , onde a polícia o encontrou a tempo de o levar para o hospital.
Após o seu regresso a casa rapidamente se dedicou à pintura, executando dois auto-retratos.

Este é um desses auto-retratos.

Van Gogh
Auto-Retrato com Orelha Ligada
Óleo sobre tela - 60x49cm
Arles, Janeiro de 1889
Londres, Courtauld Institute Galleries

Neste Auto-Retrato com Orelha Ligada, pinta-se com um grande casaco verde através de longas pinceladas. O barrete, o cavalete e a parede, com uma gravura japonesa, mostram pinceladas mais curtas e nervosas. Alguns contornos foram fortemente realçados, separando as cores.
Na face além do verde, violeta, branco e amarelo utilizados, usa também pinceladas laranja e vermelhas de modo a dar algum "calor" à imagem que, no geral, é fria.
A ligadura, a camisa e a tela dão luz ao quadro através do uso de um branco lívido.
Neste quadro Van Gogh usou os dois pontos de cor quase ao mesmo nível, no rosto e na gravura japonesa, que aparecem lado a lado. Quereria transmitir a importância que as gravuras japonesas tiveram como fonte de inspiração na sua arte?

Mas os medos e os demónios interiores não deixam Van Gogh descansar, até que foi internado no asilo de Saint-Rémy-de-Provence ...

Os trabalhos de Eva Afonso

2010-10-22T14:04:00.001-07:00

Eva Afonso
"Janela com cortina"
Óleo sobre tela - 40x30cm
2010

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2010-10-13T08:43:00.000-07:00

Estas são fotografias dos meus trabalhos expostos no átrio do Hospital Garcia de Orta em Almada, de 13 a 31 de Outubro.
Espero que gostem ...

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2010-10-09T14:50:00.000-07:00

Hospital Garcia de Orta - Almada

Vai estar patente uma exposição dos meus trabalhos de 13 a 31 de Outubro, no Átrio do Hospital Garcia de Orta - Almada.

Entrada livre.

Retrato (s) ... Auto-Retratos de Van Gogh - II

2010-10-05T04:34:00.000-07:00

O que é prometido é devido e cá estou para escrever sobre alguns dos muitos auto-retratos de Van Gogh. Vou seguir a ordem cronológica para podermos apreciar as mudanças ocorridas na obra deste artista, tanto a nível da técnica pictórica como do seu estado psicológico.

Van Gogh
"Auto-Retrato com Cachimbo"
Óleo sobre tela - 46x38cm
Paris, Primavera de 1886
Amesterdão, Museu Van Gogh

Este é um auto-retrato típico das suas primeiras pinturas.
Pintado em tons terra escuros, criando uma imagem de dignidade. Nele encontramos influência da pintura holandesa.

Van Gogh
"Auto-Retrato com Chapéu de Feltro Cinzento"
Óleo sobre cartolina - 41x32cm
Paris, Inverno 1886/1887
Amesterdão, Museu Stedeliijk
(empréstimo do Museu Van Gogh)

Este auto-retrato de Van Gogh mostra já a influência dos impressionistas, através do uso da cor e da pincelada.
Neste quadro utilizou ainda a mistura anterior de castanhos e cinzas à qual juntou pinceladas de cores puras - aumentando a vitalidade da cor.
É de realçar o vigor da pincelada, transmitindo deste modo o contraste entre a aspereza do casaco e a suavidade do chapéu de feltro.

Van Gogh
"Auto-Retrato"
Óleo sobre cartolina - 42x33,7cm
Paris, Primavera de 1887
Chicago, Instituto de Arte de Chicago

Observando este quadro, podemos verificar a influência que Van Gogh sofreu de Georges Seurat (pontilhismo).
Mas Van Gogh foi mais longe e ultrapassou a simples técnica de pequenos pontos de cor que se fundem quando vistos à distância. Van Gogh mostrou, neste auto-retrato todo o seu génio no poder expressivo da cor, usando os salpicos de cor no tecido do casaco e no fundo, mas não no rosto.
Van Gogh nunca aderiu inteiramente a uma tendência. Experimentava as coisas e ia buscar aquilo que se adaptava ao seu reportório artístico.

Van Gogh
"Auto-Retrato com Chapéu de Palha"
Óleo sobre tela - 40,5x32,5cm
Paris, Verão de 1887
Amesterdão, Museu Van Gogh

Este auto-retrato, segundo Rainer Metzger e Ingo F. Walther, "contém uma alegre e estival abundância de amarelos na camisa, rosto, chapéu e até no fundo. Algumas pinceladas violeta cuidadosamente dispostas acrescentam uma subtil nota contrastante. É só na cor de ginja na barba que Van Gogh ainda mantém o princípio da cor local; mas mesmo aqui o vermelho é usado demasiado esporadicamente para ser qualificado como descritivo.
O rosto familiar do artista tornou-se um retrato de experiência visual. Os traços básicos do seu rosto foram naturalmente mantidos e a mistura singular de Van Gogh de timidez e severidade rapidamente se identifica."

E por hoje propositadamente interrompo a observação de alguns auto-retratos de Van Gogh, pois na última fase da vida deste artista a abordagem que faz da sua própria imagem tem características diferentes (pelo menos a nível visual, pois a sua decadência psicológica está presente).
Voltarei em breve para escrever sobre este pintor genial.

Retrato (s) ... Auto-retratos de Van Gogh - I

2010-09-28T13:49:00.000-07:00

Ernest Rebel escreveu em "Auto-retratos" (Taschen - 2009) que "Os auto-retratos são testemunhos em que o ego do artista como seu modelo e motivo se relaciona simultaneamente com outras pessoas. Os artistas representam-se a si próprios como querem ser vistos pelos outros, mas também porque querem distinguir-se deles".

A partir do século XIX, com a invenção e utilização da máquina fotográfica, os pintores deixaram de ter como objectivo principal pintar-se de acordo com o retrato fotográfico, mas passaram a querer transmitir mais os "estados de alma".
O pintor Vincent Van Gogh (1853-1890) foi um dos pintores que utilizou de forma mais prolífera a pintura de auto-retratos como método de introspecção.
Este artista pintou-se de modo muito honesto, retratando-se não de forma idealizada, mas mostrando-se um homem à procura de respostas, transmitindo através dos seus olhos muita dor, perturbação e intranquilidade.
A frase em que Nietzsche afirma que o rosto humano é "o espelho da alma" parece estar "espelhada" nos auto-retratos de Van Gogh.
Este pintor foi um dos artistas que mais se debruçou sobre a sua própria imagem, (entre 1886 e 1889 pintou mais de 30 retratos), estudando-a, reproduzindo-a, mostrando através dela não só o seu declínio psicológico, mas também a sua técnica.
Há ainda a salientar que Van Gogh não tinha dinheiro para pagar a modelos para posar, por isso pintava-se, tendo como objectivo desenvolver a sua técnica e as suas competências como artista. Numa das muitas cartas que escreveu ao seu irmão Theo afirmou: " Eu comprei, de propósito, um espelho suficientemente bom que me permita trabalhar,na falta de um modelo, a partir da minha imagem. Porque se eu conseguir pintar o meu retrato,o que não deve ser feito sem alguma dificuldade, devo ser igualmente capaz de pintar os donos de outras boas almas, homens e mulheres".
Usou assim o seu próprio reflexo, encontrando uma forma prática e barata de pintar retratos, legando-nos uma autobiografia visual artística.

Por que não escrever sobre alguns destes auto-retratos?
Fica prometido!

Observando um Quadro ... de Ribera ... nº 11

2010-09-20T13:16:00.000-07:00

José Ribera
"A mulher barbuda"
(A estranha napolitana Magdalena Ventura)
Casa Ducal de Medinaceli, Toledo

Há quadros que prendem o meu olhar, despertam as minhas emoções pela beleza, pela cor, pelo movimento, pela pincelada, pela energia, pelo ... pelo insólito.
É o caso deste quadro, um dos mais insólitos da pintura europeia do século XVII e que constitui um caso à parte na obra de José Ribera (1591-1652), um dos pintores mais importantes da escola espanhola.

Foi encomendado pelo Vice-rei D. Fernando Afan de Ribera y Enriquez (1570-1637) para ser oferecido ao Rei D. Filipe III, como testemunho deste caso invulgar. Actualmente encontra-se depositado no Hospital Tavera de Toledo, sede da Fundação Casa Ducal de Medinaceli.

O imenso talento e virtuosismo de José de Ribera conseguiu, a partir de uma cena que não tem harmonia nem beleza, criar uma obra de arte espantosa em que é retratada a situação dramática de Magdalena Ventura, uma mulher de 52 anos que sofria de hirsutismo, amamentando o seu filho, com o seu segundo marido Felici de Amici, triste e conformado.
Consta que a sua doença, provocada pela produção excessiva de hormonas masculinas nos ovários ou nas glândulas supra-renais, surgiu-lhe subitamente aos 37 anos quando começou a ter barba e bigode. Foi mãe sete vezes, três antes do aparecimento da doença e quatro depois, casou duas vezes.

Neste quadro é notória a influência do "mestre das trevas", Caravaggio, em que as figuras surgem misteriosamente da escuridão, recortadas pela luz que incide sobre elas. A pincelada é rigorosa, não há pormenor que seja ignorado.

É um quadro de grande valor documental, do qual são conhecidas duas cópias, uma de pequenas dimensões depositada no palácio de La Granja e outra da Colecção Ruiz de Alda em Madrid.

Os trabalhos de Eva Afonso

2010-09-13T01:39:00.001-07:00

Eva Afonso
"Conversa com a trepadeira"
Óleo sobre tela - 50x40cm
2010

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2010-09-04T11:48:00.000-07:00

BEM-VINDOS À MINHA EXPOSIÇÃO: " ad infinitum ..."
na Biblioteca Municipal do Cadaval
que vai estar patente de 4 a 20 de Setembro.

As novas instalações desta Biblioteca são um espaço aprazível e comemoram no próximo dia 19 o seu primeiro ano de existência.

Aqui vos deixo algumas fotografias desta exposição, momentos antes da inauguração e um convite a todos os que quiserem visitá-la.
Espero que gostem!!!

Observando um Quadro ... de Magritte ... nº 10

2010-08-30T13:41:00.000-07:00

René Magritte
"O Império das Luzes"
Óleo sobre tela - 146x114cm
1954
Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelas

Ao lançarmos um breve olhar sobre a tela "O Império das Luzes" de René Magritte, não descortinamos logo todo o contraste nela contido. Só numa observação mais atenta conseguimos verificar todo o surreal(ismo) existente na representação desta cena que nos parece realista.
É neste segundo olhar que descobrimos " uma cena nocturna sob um céu diurno" (Marcel Paquet).
Sobre esta ideia para o quadro "O Império das Luzes", Magritte quis esclarecer-nos sobre as suas intenções dizendo: " Reproduzi diferentes conceitos de O Império das Luzes, concretamente uma paisagem nocturna e um céu, tal como o vemos durante o dia.
A paisagem leva-nos a pensar na noite, o céu no dia. Na minha opinião, esta simultaneidade de dia e noite tem o poder de surpreender e encantar. Chamo a este poder poesia".

René Magritte (1898-1967) nasceu na Bélgica e segundo ele poucas recordações de infância ficaram retidas na sua memória. Uma das poucas lembranças referidas pelo pintor foi o seu gosto em brincar com uma rapariguinha num velho cemitério abandonado. A este respeito dizia "... costumávamos levantar os portões de ferro e entrar nas abóbadas subterrâneas. Uma vez, ao voltar à luz do dia, reparei num artista a pintar numa rua do cemitério, muito pitoresca, com as suas colunas de pedra partidas e folhas amontoadas. Este artista viera da capital; a sua arte parecia-me mágica e ele dotado de poderes mágicos".
Magritte registou na sua memória esta experiência de infância e comparou-a ao prazer da liberdade que mais tarde sentiu quando começou a pintar quadros menos convencionais, num "realismo mágico" como lhe chamou.

O contraste entre as sombras das abóbadas do subterrâneo do cemitério e a luz do dia
quando emergia à superfície, o contraste entre o mundo de duas crianças cheias de vida e o local onde brincavam - num cemitério - em que repousavam os que já não tinham vida, aparece na obra de Magritte.
Muitos dos elementos, representados nos seus quadros, apresentam um contraste profundo entre si, para provocar uma reacção do observador, convidando-o a pensar.
"Magritte era um pintor de ideias, um pintor de pensamentos visíveis, mais do que de assuntos" (Marcel Paquet).
Quando, em 1922, viu uma reprodução do quadro "Canção de amor" de De Chirico, Magritte ficou profundamente impressionado e mais tarde escreveu: "Foi um dos momentos mais comoventes da minha vida; pela primeira vez os meus olhos viram o pensamento".

Magritte, com a tela "O Império das Luzes", ao representar simultaneamente o dia e a noite ( a luz e a escuridão) consegue perturbar-nos na nossa forma de organizar a vida, mas ... tem o poder de nos "surpreender e encantar", tal como o próprio pintor pretendia.

Os trabalhos de Eva Afonso

2010-08-23T14:53:00.000-07:00

Eva Afonso
"A sustentável leveza"
Óleo sobre tela - 40x30cm
2010

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2010-08-20T11:25:00.000-07:00

Biblioteca Municipal do Cadaval

De 4 a 20 de Setembro, vai estar patente uma exposição dos meus trabalhos de pintura, na Biblioteca Municipal do Cadaval, intitulada: " ad infinitum ..." .

Horário - 2ª feira | 14h00 às 18h00
3ª a 6ª feira | 9h00 às 18h00
Sábado | 9h00 às 13h00

A não perder ... Museu Cargaleiro em Castelo Branco

2010-08-16T02:52:00.000-07:00

O Verão e as férias convidam a passeios ao ar livre, idas à praia, convívios com os amigos, viagens a locais próximos ou longínquos, mas também visitas a museus ...
Por isso gostaria de vos "convidar" a visitar, a partir de Setembro, as novas instalações do Museu Cargaleiro, em Castelo Branco.

O novo Museu localizar-se-á na Praça Académica. Esta praça assemelhar-se-á a um auditório ao ar livre, com pequenas bancadas de granito, onde se pode também apreciar uma fonte recuperada e uma vista excelente da Torre do Castelo.
Toda a colecção da Fundação Cargaleiro irá para Castelo Branco. Nestes tempos, em que o interior do país se esvazia, este é um dos muitos esforços titânicos que as autarquias realizam para chamar a si pessoas, cultura, turismo ...
Tenho pena de não possuir fotografias do novo Museu para vos mostrar, mas deixo-vos uma do antigo Pólo.

Vão ser cerca de oito mil peças de pintura, cerâmica, azulejaria, tapeçaria que vão para Castelo Branco. Todas estas peças poderão ser apreciadas, mas não serão mostradas de uma só vez, serão expostas de uma forma faseada, através de exposições rotativas.
O pintor e ceramista Manuel Cargaleiro demonstrou-se satisfeito com as novas instalações do Museu Cargaleiro em plena zona histórica da cidade.

Mestre Manuel Cargaleiro

Este artista nasceu no concelho de Vila Velha de Rodão, em 1927. Expôs as suas obras
pela primeira vez em 1949, no Primeiro Salão de Cerâmica de Lisboa. Em 1954 recebeu o Prémio Sebastião de Almeida e passou a leccionar na Escola de Artes Decorativas António Arroio. Até que, em 1957, foi viver para França, país que considera a sua segunda pátria.
Em 1990, a convite da Câmara Municipal de Lisboa, cria a Fundação Manuel Cargaleiro, à qual doou as suas colecções e que agora vão ser expostas no Museu Cargaleiro, em Castelo Branco. Será sob a responsabilidade desta Fundação que funcionará este Museu.

Mas não foi em Portugal que surgiu o primeiro espaço artístico com o seu nome.
O Museu Artístico Industrial Manuel Cargaleiro foi erigido no palácio Del Duchi Carosino, em Vietri Sul Mare, na Itália.

Segundo Manuel Cargaleiro " Tudo começou numa bienal em 1999, quando ganhei o grande prémio internacional de cerâmica. A partir daí os italianos nunca mais me largaram."

Às vezes "santos de casa ... fazem milagres", por que não aproveitá-los, por que não apreciá-los, por que não visitar, a partir de Setembro, o Museu Cargaleiro em Castelo Branco para ver as obras deste artista plástico ?

Manuel Cargaleiro
"Sonhos que o Destino Escreve"
Óleo sobre tela - 80,5x60cm
1972

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2010-08-07T14:07:00.000-07:00

Mostro-vos algumas fotografias da Exposição dos meus trabalhos de pintura no Museu Municipal do Bombarral - Palácio Gorjão - momentos antes da inauguração.
Espero que gostem!
Esta Exposição vai estar patente de 7 a 29 de Agosto.
Todos os dias | 10h00 às 12h00 | 14h00 às 18h00.

Sintam-se convidados, a entrada é gratuita.

Os trabalhos de Eva Afonso

2010-08-05T14:53:00.000-07:00

Eva Afonso
Pormenor do quadro "Porta verde e buganvília"
2010

Os trabalhos de Eva Afonso

2010-08-05T11:04:00.001-07:00

Eva Afonso
"Caminhando por Óbidos - I"
Óleo sobre tela - 60x50cm
2010

Observando um Quadro ... de Picasso ... nº 9

2010-07-24T14:35:00.000-07:00

Picasso é conhecido do grande público pela sua relação com o Cubismo, movimento de que foi co-fundador com Georges Braque, mas esta é apenas uma das fases criativas deste genial pintor.
Falecido há quase quarenta anos, foi um dos pintores mais marcantes do século XX. Pode ser recordado hoje, pelos milhares de quadros que pintou, pelos seus períodos azul, rosa ou surrealista, pelo imortal "Guernica", mas também pelo magnífico quadro da sua juventude: "Ciência e Caridade" (1897), tão pouco conhecido.
Esta obra parecia assegurar ao artista um futuro brilhante como pintor académico, mas tudo se alterou quando Picasso se integra na boémia de Barcelona, um dos centros artísticos de vanguarda da época.

Pablo Picasso (1881-1973) pintou "Ciência e Caridade", uma tela de grandes dimensões com apenas 16 anos, durante o seu período de formação, que na altura decorria em Barcelona na Escola de Belas Artes "La Lonja".
É espantosa a maturidade da pintura deste jovem, que constrói uma composição de género com esta solidez.

Pablo Picasso
"Ciência e Caridade"
Óleo sobre tela - 197x249,5cm
1897
Museu Picasso, Barcelona

A Ciência é representada pelo médico, do qual transparece uma atitude ética e afectuosa, segurando a mão cianosada da mulher moribunda, vítima de tuberculose.
A Caridade é simbolizada por uma religiosa que com uma mão oferece chá à doente, ao mesmo tempo que ampara e protege uma criança que em breve ficará só no mundo.
A posição oblíqua da cama dá profundidade ao quadro, aumentando-lhe o dramatismo.

Picasso não dispunha de dinheiro para contratar modelos. O seu pai, ele próprio professor de desenho e pintura, serviu de modelo para a figura do médico. A irmã do pintor posa como a paciente moribunda e a criança foi alugada a uma mendiga em troca de dez pesetas. A freira, foi um adolescente anónimo.

Esta magnífica obra ganhou uma menção honrosa na Exposição Nacional de Arte de Madrid, o que facilitou a admissão de Picasso na Academia Real de Artes São Fernando, em Madrid. Também recebeu a medalha de ouro na Exposição Provincial de Belas-Artes de Málaga e é hoje uma das peças mais importantes do acervo do Museu Picasso, em Barcelona.

A observação do quadro "Ciência e Caridade" ilustra a afirmação de Picasso:
"Quando era criança pintava como os clássicos e levei a vida inteira a aprender a pintar como as crianças".

Os trabalhos de Eva Afonso

2010-07-17T04:00:00.000-07:00

Eva Afonso
"Um olhar"
Óleo sobre tela - 40x40cm
2010

Retrato (s) ... Auto-retrato de Velázquez

2010-07-13T14:54:00.000-07:00

Ir a Madrid é sempre um prazer e visitar o Museu do Prado um deslumbramento, principalmente agora que este museu abriu mais salas dedicadas a Velázquez.
A obra de Velázquez está, desde Junho, organizada cronologicamente e por temas em sete salas.
No entanto, apesar das mudanças introduzidas, o quadro "As Meninas" continua a presidir a grande sala basilical, no núcleo - Velázquez, O Retrato Real.

"As Meninas" é um quadro que tem associado a si o nome do seu autor, referimo-nos a ele como "As Meninas" de Velázquez.
Este artista, ao serviço dos reis de Espanha, pintava por encomenda temas religiosos e retratos de gente da corte, sendo este o caso.
Não se sabe exactamente para quê e por quê foi executado este quadro, mas sabemos identificar com exactidão tudo o que ele nos revela.

O pintor, nesta tela monumental, apresenta uma composição extremamente elaborada, nela visualizamos vários núcleos. Ao centro vemos a princesa Margarida (filha dos reis de Espanha e possível herdeira ao trono), rodeada por duas meninas (damas de honor), Dona Isabel de Velasco à direita e Dona Maria Agustina Sarmiento do Sotomayor à esquerda. Em primeiro plano à direita estão retratados a anã Mari-Bárbola e Nicolás de Pertusato que brinca com um cão sonolento. Atrás encontram-se Dona Marcela de Ulloa - camareira-mor e Dom Diego Ruiz Axcona - guarda-damas. Ao fundo vemos Dom José Nieto Velázquez que levanta levemente a cortina, deixando a luz penetrar no aposento real, transformado em atelier do artista. Ao centro, atrás da princesa, vemos um espelho reflectindo as figuras dos reis de Espanha, Filipe IV e Mariana de Austria. Finalmente, à esquerda, perto da tela alta, encontramos o próprio pintor - Diego Rodriguez de Silva y Velázquez (1599-1660).

Quis apresentar este quadro precisamente pelo auto-retrato de Velázquez.

O artista pinta-se em frente da tela enorme, com pincel e paleta nas mãos. O pincel sai levemente da paleta e o olhar do pintor, em vez de se orientar para a tela, dirige-se para o observador. Parece que o está a retratar.
Mas afinal quem está a ser retratado nesta tela tão grande?
Os reis de Espanha, que vemos reflectidos no espelho e colocados no mesmo plano do observador?
Não sabemos ao certo.
Mas verificamos que Velázquez, provavelmente colocou o casal real num espaço invisível em frente ao quadro, onde nos encontramos como espectadores e apenas o torna visível através do seu reflexo no espelho, enquanto que se coloca a si próprio no interior do quadro, bem visível, dominando toda a encenação que criou.
Velázquez, neste quadro, demonstra o seu extraordinário estatuto como artista da corte de Filipe IV de Espanha.

Poderíamos dizer como o pintor Édouard Manet, que durante uma temporada em Madrid (1865) e após uma visita ao Museu do Prado, escreveu ao seu amigo, o pintor Henri Fantin-Latour - "Velázquez, por si só, justifica a viagem. Os pintores de todas as escolas que o rodeiam, no museu de Madrid, parecem simples aprendizes. É o pintor dos pintores"

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2010-07-08T13:38:00.001-07:00

Museu Municipal do Bombarral - Palácio Gorjão

De 7 a 29 de Agosto, vai estar patente uma exposição dos meus trabalhos no Museu Municipal do Bombarral.

Horário - Todos os dias | 10h00 às 12h00 | 14h00 às 18h00

Os trabalhos de Eva Afonso

2010-07-07T02:11:00.000-07:00

Eva Afonso
"Flor de macieira"
Óleo sobre tela - 30x40cm
2010

Eva Afonso
"Flor de amendoeira"
Óleo sobre tela - 27x35cm
2009

A não perder... a Exposição: "O Jardim das Maravilhas" de Joan Miró

2010-07-02T11:30:00.000-07:00

Hoje inaugurou-se, pelas 18h, no Centro Cultural Palácio do Egipto, em Oeiras, a Exposição "O Jardim das Maravilhas" de Joan Miró ( 1893-1983 ).
Esta Exposição mostra-nos sobretudo a obra gráfica de Miró, nela são apresentados trabalhos realizados a partir de 1969, em Palma de Maiorca.

A autoria de muitas obras de Miró é facilmente identificável pela imagética (composição, traço, cor, movimento) que nos encanta por ser uma "arte lúdica", mas que é enganadoramente infantil.

Miró foi contemporâneo de correntes pictóricas como o fauvismo, o cubismo, o surrealismo, mas foi criando a sua própria linguagem, observando o Mundo e retratando-o como o teria feito o homem primitivo ou uma criança, mas com os olhos do homem maduro com preocupações e visão do século XX.

A partir de hoje até 26 de Setembro poderão ser vistas oitenta e cinco obras deste artista, no Palácio do Egipto, Oeiras.

É uma Exposição a não perder ...

( Um dia, prometo, voltarei a escrever sobre Miró, um dos meus pintores preferidos. )

A não perder... A Exposição: "Constant Le Breton"

2010-06-29T02:16:00.000-07:00

A Exposição "Constant Le Breton" - patente na Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa, merece a nossa visita. São momentos inesquecíveis frente a obras belíssimas de um pintor para muitos desconhecido.
Esta exposição foi inaugurada no passado dia 20 de Maio e termina a 8 de Agosto. Nela é feita uma retrospectiva da obra de Constant Le Breton (1895-1985).
Ao longo de seis núcleos são mostradas sessenta e sete obras (cinquenta e dois óleos e quinze aguarelas) que revisitam os temas que este artista gostava de desenhar e pintar - paisagens, vistas de Paris, retratos, naturezas-mortas e cenas de interior.

Constant Le Breton não seguiu as correntes do século XX, seguiu o seu próprio caminho, no entanto, há a referir que a sua técnica nos faz "viajar" até à pintura da segunda metade do século XIX - sendo notória a influência de grandes pintores como Corot, Boudin e Manet.
Há até quem veja nele a resistência às rupturas vividas no século XX.

Esta Exposição tem entrada gratuita, é bom haver exposições como esta que nos regalam a vista ( a propósito, as vistas de Paris são magníficas) e nos aconchegam as emoções.

Uma Exposição a não perder...

Obrigado José Saramago!

2010-06-20T03:10:00.000-07:00

Até sempre ...

Hoje sonhei com ...

2010-06-16T03:08:00.000-07:00

Frida Kahlo
1907-1954

Auto-retrato
"The Frame"
c. de 1938

Para compreendermos a pintura de Frida Kahlo (1907-1954) necessitamos de conhecer a sua vida.
Vida e obra desta pintora estão irremediavelmente ligadas.
Frida Kahlo foi uma mulher resistente, uma artista que deixou a sua marca pessoal na pintura do século XX, pois nos seus quadros há um grito surdo de dor, perante as adversidades da sua própria vida.

Frida Kahlo nasceu em Coyoacán - México, em 1907 e apesar da série de doenças, acidentes, lesões e operações que sofreu ao longo da sua existência, foi uma mulher forte, que encarou a vida com determinação.
Aos seis anos sofreu de poliomielite, o que lhe afectou o pé direito, aos dezoito teve um grave acidente de viação ( o autocarro em seguia, chocou com um eléctrico - várias pessoas morreram de imediato e Frida Kahlo ficou gravemente ferida).
Este acidente mudou os seus planos de vida e durante os longos meses que teve que ficar imóvel na cama começou a pintar para afastar o tédio e a dor.
Sobre este período, disse a António Rodríguez, crítico de arte: "Eu senti que ainda tinha energia suficiente para fazer outras coisas sem ser estudar para vir a ser médica. Comecei a pintar sem dar muita importância a essa actividade."
Começou assim o género de pintura que a caracterizou - o auto-retrato - sobre este assunto afirmou: " Pinto-me porque estou muitas vezes sozinha e porque sou o tema que conheço melhor."

A arte de Frida Kahlo é uma arte sofrida que representa simbolicamente as suas próprias dores, através de uma linguagem pictórica pessoal, com vocabulário e sintaxe próprios. Vejamos dois exemplos:

Frida Kahlo
"A Coluna Partida"
1944

Nesta tela representa a sua própria coluna como uma pilastra que se está a desmoronar, o que era literalmente verdadeiro, em consequência do grave acidente que sofreu. O seu corpo está cheio de pregos, através deles ela pretende representar a dor que sofria, ao mesmo tempo que lágrimas escorrem dos seus olhos.

Frida Kahlo
"O Veado Ferido" ou "O Veadinho" ou " Eu sou um Pobre Veadinho"
1946

Nesta obra Frida Kahlo representa-se como um veado na floresta, cheio de flechas e a sangrar. Estas flechas que perfuram o veado correspondem à barra de ferro que a perfurou no acidente.

A sua mensagem não é hermética: os seus quadros devem ser entendidos como resumos metafóricos das suas experiências concretas.
A sua pintura é sobre a sua própria realidade, sobre as suas dores físicas, não é imaginária, é coerente, real, segundo ela nada tem de surreal, não gostava de ser classificada como surrealista.
Muitos autores, entre eles André Breton, poeta francês e teórico do surrealismo, classificaram a obra de Frida Kahlo como surrealista, mas esta afirmou: "Pensavam que eu era uma surrealista, mas eu não era. Nunca pintei sonhos. Pintei a minha própria realidade"

Por isso eu afirmo, se não conhecermos a sua vida, nada entenderemos da sua obra.

Mulher cheia de força e de talento, em 1953 teve de amputar os pés, por causa de uma gangrena - em consequência dos seus problemas de saúde - mas como ela própria escreveu no seu diário: "Pés para que os quero, se tenho asas para voar?"

É simplesmente surpreendente a descoberta da vida e obra desta pintora ... por isso hoje sonhei com ... Frida Kahlo.

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2010-06-05T09:10:00.000-07:00

Mostro-vos algumas fotos da minha Exposição na Casa de Artes e Cultura do Tejo, momentos antes da inauguração.
Espero que gostem ...

Exposição de Pintura de Eva Afonso

2010-06-02T14:02:00.001-07:00

Casa de Artes e Cultura do Tejo - Vila Velha de Rodão

De 4 de Junho a 31 de Julho de 2010

De Segunda a Sábado | 10h00 às 12h30 | 14h00 às 18h30
Encerra aos Domingos e Feriados